O Tvárnici s Martinem Zet

Výraznou a také diskutovanou instalací ve veřejném prostoru se stala Tvárnice, objekt současného umělce a sochaře Martina Zeta M Z. Dílo o hmotnosti 42 tun instaloval jeřáb mezi starou a novou budovu Národního muzea 17. prosince 2020. Na kolejích pro budoucí trasu tramvaje, v současné muzejní pěší zóně, bude dotvářet prostředí po dobu dvou let.
Mohutná světlá kostka odlehčená zvláštním průřezem byla inspirována tvárnicí, kterou v 70. letech vytvořil pro dělící dekorativní zeď sídliště v Praze na Pankráci II otec Martina Zeta (1960), sochař Miloš Zet (1920–1995). Instalace byla podpořena z programu Umění pro město v rámci projektu SOKL (Současnost, Objekt, Komunikace, Lidé), který vznikl ve spolupráci s Institutem plánování a rozvoje.

um_14
um_13

Pavel Klusák se jako publicista věnuje především hudbě, zvuku a jejich společenským kontextům. Publikuje i o současném umění. Jeho pořady pravidelně vysílá Český rozhlas Vltava. Dramaturgicky vede festivalové projekty pro MFDF Ji.hlava a kutnohorský GASK. Jeho poslední kniha Uvnitř banánu (Fra, 2021) vypráví o relativitě hodnot v hudbě skrze fikční i skutečné příběhy. Je šéfredaktorem Qartalu.

P K            Jak si vybavuješ „tvárnici“ od otce z dřívějška, patrně z dětství?

M Z            Vůbec jsem nevěděl, že tuto a další typy tvárnic na sídlišti Pankrác I a II táta (1) dělal. Upozornil mě na ně až nedávno – před třemi lety – pan architekt Jiří Lasovský (2) autor sídliště. I když jsem v dětství i dospívání trávil v otcově ateliéru hodně času, jeho realizacemi v architektuře jsem se nikdy moc nezabýval. Aktivizující podnět, že bych měl, byla zpráva, že Pražský hrad (Kancelář prezidenta republiky) chce z Nejvyššího purkrabství odstranit sochu Mládí (3), kterou jsem jako jednu z mála znal a měl rád. Z pankráckých tvárnic jsem věděl jen o vlnovkách, ze kterých jsou tam variabilně vyskládány zdi vymezující výseky veřejného prostoru, ale i ty jsem znal jen z fotografií.

P K           Oživit tvárnici jsi navrhl ty?

M Z           V souvislosti s chystanou výstavou Sochař Miloš Zet – Zdi, sokly a makety pro Dům umění Města Brna4 (4) nám s kurátorkou Terezií Petiškovou připadalo pěkné, kdyby téma už s předstihem vstoupilo do města. Navíc motiv festivalu BAO19 (5) byl: Jsem závislý objekt. (Se strategií vytvořit „tematické předpolí“ souvisela i výstava 2× MZ v Galerii Umakart(6).) Použité bednění z Tvárnice se následně stalo jedním z objektů vlastní výstavy.

P K           Jak náročné bylo realizovat Tvárnici? Jak a kde se odlila?

M Z           Náročné to bylo velmi, protože jsme nechtěli dělat skořepinu, ale plný železobetonový objekt. Hmotnost 42 tun jsme považovali za důležitou kvalitu, i když právě ta se stala největší výzvou při odlévání v červnu roku 2019 i loňském stěhování z louky před dolním nádražím do Prahy. Veškeré díky za realizaci patří skvělému realizačnímu tandemu Domu umění – PhDr. Jitce Pernesové a Ing. Zdeňku Hamžovi.(7)

P K           Teď stojí u Muzea. Co říkáš na to místo?

M Z           Na mé ambice je místo až moc exponované, ale na druhou stranu mou drzost příjemně lechtá, že od Legerovy ulice je možné ji vidět v jednom záběru s Mysl- bekovým pomníkem svatého Václava (8) a Makovského Novým věkem (9).

P K           Máš k Tvárnici vztah? Je v té hranatosti a těžké hmotě i něco emotivního?

M Z           Je zajímavé, že v momentě, kdy jsem ji uviděl v tomto zvětšeném měřítku, zrodila se ve mně touha udělat ještě víc podobných a třeba ještě větších objektů, vycházejících z tvárnic minulosti, ať už z dílny mého tatínka, nebo někoho jiného. Dnes mám v hlavě čtyři další konkrétní tvary. Celé to ale vlastně je taková zkouška stanoviska – ochutnal jsem tuto (co se hmotnosti týče) megapolohu, u které vnímám filosoficko-ekologické slabiny. Chutná sladce, návykově. Vyvolává žádostivost pokračovat. Zbytečně nepřemýšlet. Připomíná mi to rozšířené úskalí lidských činností, kdy místo abychom uvažovali o tom, co k čemu slouží, řešíme jak překonat technické, technologické problémy. Problematika řešení toxoplazmicky odkloňuje myšlení, adjustuje ho k hostiteli neznámému prospěchu. Ani jsem se nedoléčil a už jsem opět nakažen touhou materiálně tvořit. Mám se zase ptát: Proč? A: Neškodím?

P K           Ten otvor v tvárnici: je výrazný, neignorovatelný, co na něj říkáš?

M Z           Ty další obří tvárnice, které chtějí na svět, mají také výrazné otvory.

P K           Tvárnice poputuje dál – kam a proč?

M Z           Sním, že by se navrátila na místo, kde jsem uviděl její předlohu, na pankrácké sídliště. Tam průhledné zídky kolem vchodů a kontejnerů nepřežily stavební úpravy spojené se zateplováním domů a tvárnice osvobozené z kontextu zdi si obyvatelé vyskládali podél cest, vytvořili z nich kompozice k posezení. Odhalili krásu jednotlivého stavebního prvku.

 

1    Akad. soch. Miloš Zet, 1920–1995.
2    Narozen 1926.
3      Socha Mládí byla odstraněna 5. 2. 2018.
4      12. 2. – 27. 7. 2020.
5       Kurátorský kolektiv Café Utopia – Marika Kupková, Katarína Hládeková, Zuzana Janečková a Markéta Žáčková.
6      18. 9. – 7. 10. 2019, kurátor Šimon Kadlčák.
7      Výrobu objektu o hmotnosti 42 tun umožnilo partnerství výrobce betonových dílců Prefa Brno a betonárny Stappa mix.
8      Pomník svatého Václava vznikal v letech 1887–1924.
9      Sousoší Nový věk bylo vytvořeno v roce 1958.

Umění pro město

Jako když najdeš! Program Umění pro město se během uplynulého roku vyjevil coby platforma, na které může tvorba žít dál i v době zavřených galerií. Přitom byl formulován několik let před pandemií. Historii i zprávu o aktuálním stavu programu Umění pro město líčí následující blok textů: Včetně svědectví umělkyň a umělců, jejichž rešerše, akce, objekty a jiná díla proměňují terén Prahy a vyzývají k setkání. Nenápadně i ambiciózně, od periferie po centrum.

Za_carou
convikt_
Kevin V. Ton, Vltavská
Kevin V. Ton, Vltavská

Tereza Butková je publicistka. Od roku 2018 přispívá do Salonu Práva. Je součástí tvůrčího týmu podcastu Vysílač v rámci festivalu Žižkovská noc. Externě pracuje pro server iROZHLAS.cz.

Starat se o podporu umění ve veřejném prostoru znamená zdědit staletou tradici. Byla tu éra podpory mecenášů, církevních i světských institucí. Byla tu éra poobrozenecká, kdy národ zakládal sbírky, nadace a spolky pro budování pomníků. Meziválečná první republika přinesla výzdobu na fasádách, ale i kultivaci městských tříd a parků uměním. Pro náš příběh je zajímavá éra socialismu. V roce 1965 byl usnesením vlády zavedený takzvaný čtyřprocentní zákon. Tak vznikla povinnost věnovat část (v rozmezí 1–2 %) z rozpočtu stavby na její výzdobu. Do roku 1989 tak u nás vznikly desetitisíce děl ve veřejném prostoru. Konsensus historiků říká, že kvantita převyšovala kvalitu, vznikla však i cenná a z dnešního pohledu zásadní díla.

Tato podpora byla v roce 1991 zrušena: změnilo se všechno, stát přestal být výhradním zadavatelem velkých stavebních projektů. Když přišla snaha systémovou podporu umění ve veřejném prostoru obnovit alespoň na území Prahy, znamenalo to počátek programu Umění pro město. V roce 2017 došlo ke zlomovému rozhodnutí. Na pražském magistrátu byly systematicky vyčleněny prostředky na realizaci uměleckých děl ve veřejném prostoru. V rámci Programu 2 % na umění ve veřejném prostoru byla alokována dvě procenta z plánovaných stavebních investic Prahy. Tato rezerva tvořila 135 216 000 korun. Spolu s jejím vyčleněním vznikl dlouhodobý plán na financování soutěží a trvalých realizací umění v pražském veřejném prostoru. Všechno vzniká ve spolupráci institucí: IPR je plánovačem, GHMP má status kurátora a odborného garanta, magistrátní Odbor kultury a cestovního ruchu řídí rozdělování peněz.

Kurátorka Marie Foltýnová, která projekt za GHMP vede, ovšem záhy zjistila, že vytvořit nová pravidla v magistrátním systému nějaký čas potrvá. „Ukázalo se,” říká, „že od prvotní myšlenky k realizaci sochy zpravidla neuplyne méně než čtyři roky. Vyjednat místo pro nový artefakt, zanést plánované dílo do urbanistických studií, obstarat povolení: to všechno dělá z vzniku nové generace veřejného umění běh na dlouhou trať.“

Následuje terminologická vsuvka: sochy, pomníky, plastiky, to jsou veřejná díla trvalá. V situaci, kdy se jejich vývoj ukázal jako časově náročný, podařilo se upnout pozornost na možnost druhou, v čemsi velmi současnou: dočasná umělecká díla. Z celkové částky bylo alokováno 10 milionů korun na umělecké projekty menší, realizovatelné mnohem pružněji. I původní název programu „2 % pro umění ve veřejném prostoru“ se změnil: Od roku 2020 operuje na řadě míst Umění pro město.

Krátkodobé aktivity realizované pod společnou zkratkou UM 2020 mají výstupy mnoha forem a médií. Jednou z nápadnějších aktivit je výstava Umění za čarou: ve spolupráci s pražským Dopravním podnikem byly do stanic metra umístěny fotografie performancí a intervencí, které se v minulosti odehrály v prostorách veřejné dopravy či u stanic (Jiří Kovanda, Markéta Othová, Krištof Kintera, Timo, Lukáš Jasanský – Martin Polák a další). Černobílé fotografie v prostoru nástupiště na Můstku či Florenci výrazně vystupují: v prostoru, kde po léta lze potkat jen informační nebo reklamní sdělení, má svědectví o umění hodnotu připomínky, že svět není přespříliš zúžený. Určitou tajemnost dává fotointervencím absence popisek (cestující je záhy setřeli, to se ve veřejném prostoru stává): ať si nezvyklé místo každý interpretuje po svém, bez jediného návodu.

Oživit pět lokalit na pražské periferii pomocí dočasných uměleckých intervencí si dal za cíl projekt CirculUM 2020. S galerií na něm spolupracuje umělec a urbanista Jan Trejbal a další členové transdiciplinární platformy Neolokátor/Design for Landscape. Multidisciplinární komise (prý vůbec první v rámci soutěží GHMP) vybrala účastníky pro pět lokalit – Satalice, Dolní Počernice, Komořany, Motol, Ládví. Symbolem Circula se staly bílé stavební buňky, které poskytovaly umělcům azyl přímo v terénu. „Buňky se skvěle osvědčily, někdo se na nich stal skoro závislým a tenhle dočasný domov na periferii nechtěl opustit,“ říká Jan Trejbal, který terén periferních lokalit vesměs dobře znal. „Unikátnost Circula spočívá v tom, že umělci mohli působit na poměrně velkém prostoru a dělat si na něm de facto co chtěli. Vedle umělců se mohli přihlásit také architekti nebo designeři, což byl pro mě osobně velmi silný moment. Projevilo se to pak neformální spoluprácí přímo v terénu – zástupci různých oborů spolu komunikovali a vzájemně se podporovali, což jejich projekty posouvalo. Většinou se jednalo o nemateriální výstupy, s výjimkou megalitického kruhu z betonových svodidel od Adama Wlazela na Ládví nebo mechanických soch Elišky Perglerové v Komořanech.”

O tvůrčích „pobytech na pražské periferii” Šárky Zahálkové (Satalice), Idy Chuchlíkové (Motol) a dua Convict (také Motol) se dočtete v jejich svědectvích. Doplňuje je text fotografa Kevina V. Tona, který jako první oživuje „zátočinu u metra”, novou veřejnou Galerii Vltavská. Cestu od okraje města do jeho středu uzavírá Martin Zet. V rámci projektu SOKL byl instalován mezi starou a novou budovou Národního muzea objekt Tvárnice. Betonová abstraktní socha podle návrhu Zetova otce Miloše váží 42 tun: je zvětšeným prvkem, který sochař vytvořil v 70. letech pro dělící dekorativní zeď na sídlišti Pankrác II. Stojí tu (na místě budoucí tramvajové dráhy) od prosince a má být součástí muzejní zóny dva roky. Jděte se na podivuhodnou Tvárnici podívat: tiše tu spočívá, dost blízko Štursova pomníku svatého Václava. Je mohutná, dá se jí i prolézt: je to sice umělecké dílo, ale betonový masiv něco vydrží. Pokud některé výstupy Umění pro město mají charakter nenápadné publikace či pomíjivé akce, pak tady jsme na druhém pólu: u artefaktu jako velkolepého zápasu s hmotou.

Kdo chce něco nalézt, musí se umět ztratit
ŠÁRKA ZAHÁLKOVÁ pracovala na svém projektu Ztratit se v lokalitě Praha-Satalice

Ztrácení se je pro mě momentem zpomalení. Při běžném pohybu z bodu A do bodu B se okolní prostor úplně vytrácí a zůstává jen domov, práce nebo škola. Celý můj projekt v Satalicích byl proto o zvědomění prožitku pohybu a připomenutí, že má smysl se toulat. Člověk při tom může nalézt mnohé – nové myšlenky nebo také zjištění, jak chůze a okolní prostor ovlivňují skupinové uvažování.

Proto pro mě bylo důležité nejen toulat se sama, ale setkávat se i s místními nebo s kýmkoliv, kdo se chtěl připojit. Společně jsme se potom bavili, co konkrétní místo pro každého z nás znamená, a objevovali jsme prostředí jinak. Zajímavé bylo, že i místní najednou dokázali ohledávat další vrstvy, dívat se jinýma očima a využívat jiné smysly. Roli nehraje jen zrak, ale také vědomý poslech a dotek s krajinou.

Chůze a cesta ke zvědomění však vyžaduje čas. Obvykle trvalo pětačtyřicet minut, než se lidé zklidnili, popustili své myšlenky a začali objevovat, co pro ně místo může znamenat. Procházkami potom pronikaly různé vzpomínky. Snažila jsem se nebýt invazivním moderátorem, ale zajímalo mě, jak pojem ztratit se každý z nás vnímá. Přes vzpomínky na minulost se pak někteří z místních dostali k tomu, co jim na současné podobě veřejného prostoru vadí a chybí. Procházky tak dostaly i sociálně urbanistický rozměr.

Tím, že se ztrácíme vědomě, přestáváme mít strach a jsme připravení objevovat, něco nalézt. Na procházkách jsme sdíleli zážitky ze ztrácení se v dětství i v dospělosti, které jsou obvykle spjaté spíš s negativními emocemi. Nechceme se bát a uvrhnout se do nejistoty. Také proto jsem do svého ne-průvodce přidala dodatek: jak se ztratit a najít se. I neúmyslné ztrácení nás ale může dovést k novým objevům, negativním emocím navzdory.

Mít rád svou skládku
IDA CHUCHLÍKOVÁ pracovala na svém projektu Motolské příběhy / Transparentní lobbing v pražské lokalitě Motol

Zajímá mě rozhraní jako prostor, kde se na svět můžeme dívat jinak. Rozhraní nabízí možnost vystoupit ze své pozice a získat jinou perspektivu. Samotná motolská skládka v sobě má zakódovaných spoustu jemností, které se rozhraní týkají. Přitom není vůbec propojena s okolím, s vnějším světem ji spojuje jen úzká pěšina.

Když jsem do toho prostředí vstoupila, říkala jsem si, že musím místo vnímat v kontextu celého údolí. Proto jsem začala hledáním siluety, která se navážkou vytvořila. Během průzkumu jsem se potom dostávala do nečekaných situací, které samy navedly můj příběh. Přišla jsem s představou, že se budu věnovat rozhraní, a došla jsem k tomu, že se musím soustředit na pochopení skládky v mysli lidí.

Kopec původně vznikl na negativním základě, v korupčním prostředí, a já jsem chtěla, aby se jako nový horizont začlenil do mentální mapy pozitivně. Skládka je sice problematická, ale má svoje nesporné výhody. Vytvořila nezalesněný výhled a uzavřenou krásnou divočinu, jejíž složení se neustále vyvíjí.

Celý projekt jsem proto postavila na obrazu: na úpatí motolského údolí se usídlila velryba, která zpívá nerozpoznatelnou temnou hudbu. Její píseň neslyší všichni, ale když už ji jednou zachytí, funguje jako magnet. Je to přitom hudba kontaminace. Ten, kdo velrybu slyší, je člověk, který aktivně hledá.

Jednotlivé obrazy tak používám jako prostředníky, které uhladí drsné hrany problému, vytvoří vábení a začlení nový horizont do okolní krajiny. Mým cílem je přivést klíčové hráče na místo, aby na ně ono samo působilo. Dochází tím zároveň k překonávání rozhraní neznámého. Transparentní lobbing ale nemůžu začít jen bolestí, a tak se snažím o otočení perspektivy, z níž se na problém motolské skládky díváme. Chci nacházet lidi, kteří rezonují s velrybí písní a chápou, že jde o zprostředkování toho, co je ukryto pod nimi. Teprve přijetím nového horizontu je možné začít diskusi o jeho významu

Co bude zítra: zátočina na Vltavské
KEVIN V. TON fotí lidi z Vltavské a vystavuje tu v nové venkovní galerii

Vltavská je specifická svou autenticitou. Potkávají se tam jak domácí, tak lidé jedoucí za prací i ti, co žijí na ulicích. Turistům zatím spíš uniká. Spolu s Karlínem a okrajem centra zároveň tvoří trojici oblastí, které v Praze dlouhodobě sleduju ve svých dvou velkých projektech Daily Life, každodenní život, a On the Egde, na okraji. Část z obou teď visí venku na Vltavské – šest fotek za šest let – a znázorňují pestrost a živost místa.

Daily Life je o klasické pouliční fotografii, která pak časem nabírá na dalším významu. Oproti tomu v souboru On the Edge se soustředím na lidi žijící na okraji, přitom často v samém středu města. Jsou stále stejní, mění se spíš s proměnou městské krajiny, hlavně s developerskými projekty. Například na Rohanském ostrově se skupina lidí, kteří tam žijí už mnoho let, musela kvůli postupující zástavbě posunout o stovky metrů. Vltavská se oproti tomu moc nemění. Dřív byla zapadlejším koutem, kam se lidé báli zacházet, působila trochu jako zátočina. Dneska mi přijde mnohem vstřícnější.

Komunity lidí na okraji se neustále mění, někdo přichází, jiný zmizí, jinak ale drží spolu. I komunita na Vltavské je relativně stálá. Dneska za mnou zrovna přišel kluk z ulice a říkal, že na jedné z vystavených fotek je jeho babička. To mě potěšilo.

Propojení každodenního života s tím na okraji ale přichází jen výjimečně. Jde o paralelní světy, žijící na stejném místě, které se často navzájem ani nevnímají. Nejviditelnější je to v centru, kde ještě nedávno proudily davy místních i turistů a o pár metrů vedle existoval ve stejných kulisách úplně jiný svět. Hranici potom prolamují třeba ti z nich, kteří se na ulicích živí hudební produkcí.

O přestavbě Vltavské, plánované stavbě koncertní síně, tamní komunita nejspíš ví. Noviny čtou, mají internet, ale neřeší to. Je to život ze dne na den. Budoucnost nehraje velkou roli, když nevíš, co bude zítra.

Centrem a divočinou
DUO CONVICT, Conrad Eric Armstrong a Viktor Valášek, pracovalo na společných plátnech Pouť na motolskou zavážku v pražském Motole

Celá zkušenost s motolskou skládkou, s tím, být na okraji lesa a přitom uprostřed Prahy, byla silná. Navíc jsme měli skvělé místo s úžasným odpoledním světlem. I když jsme s obrazy cestovali a nemalovali jen u navážky, skládka se stala naší základnou. Mohli jsme tak pozorovat vývoj, přicházející podzim, barvy. A počasí – ačkoliv se snažíme být vždycky venku, párkrát jsme byli donuceni malovat v buňce. Na jednom obrazu nám dokonce déšť smyl barvy. I to je ale součást procesu, nechat se ovlivňovat časem, prostředím.

Výběr konkrétních míst, kde a kdy jsme malovali, byl dán hlavně praktickými otázkami. Každá lokace na nás působila jinak, ale všechny se dají z obrazů vyčíst. Na malbách se tak hodně projevuje čas, který jsme s nimi strávili. Publikum je bude číst úplně jinak než my – vidíme v nich konkrétní stromy, o které byla plátna opřena, proměny světla v daný moment. Je v nich zakódovaný zážitek. V ateliéru člověk může kontrolovat světlo, hudbu, čas. Venku je to dobrodružství.

Dvojí charakter motolské navážky, její umělý původ i divočina, která tam je dnes, pro nás byl od začátku důležitý. Prolínání vrstev nás zajímá všude a snažíme se je na obrazech zachycovat. Nepřikláníme se ale ani na jednu stranu, pohybujeme se na hraně. V samotné malbě se pak snažíme zachytit konkrétní obrazy z okolí, ale i věci a témata, které leží za nimi a které nelze pouhým sledováním pochopit. Jde nám o dialog mezi oběma světy.

Důležitý tak může být vítr, podolská dlažba i interakce s kolemjdoucími. Někdo nás na ulici ignoroval, někdo si po čase zvykl, v jiných jsme vyvolávali šok nebo nadšení. Potkali jsme paní, která byla z obrazů v úplné extázi, fascinovanou malou holčičku, ale i pána, který nám vytýkal míchání stylů. Všechna taková setkání a vjemy nakonec hrají svou roli.

ECM a Jan Jedlička

Nenajdeme druhého českého výtvarníka či grafika, který by tak hluboce zasáhl do podoby hudebních alb, jež obletěla svět. Spolupráce vydavatelství ECM Records a Jana Jedličky trvá už třicet let. Neopomíjí ji ani Jedličkova retrospektivní výstava v Městské knihovně.

jedlicka_ecm4
jedlicka_ecm
jedlicka_ecm3
jedlicka_ecm2

Pavel Klusák se jako publicista věnuje především hudbě, zvuku a jejich společenským kontextům. Publikuje i o současném umění. Jeho pořady pravidelně vysílá Český rozhlas Vltava. Dramaturgicky vede festivalové projekty pro MFDF Ji.hlava a kutnohorský GASK. Jeho poslední kniha Uvnitř banánu (Fra, 2021) vypráví o relativitě hodnot v hudbě skrze fikční i skutečné příběhy. Je šéfredaktorem Qartalu.

Existují hudební labely, u nichž grafická stránka působí jako rychlá nápověda, že tu nejde čistě jen o hudbu, že vydavatelův úmysl pramení z myšlenek, cítění a kulturních societ, které lze vedle hudby promítnout i do výtvarné podoby, doprovodných textů a které dokonce i vrůstají do katalogu jako příběhu vzájemných odkazů. Takové labely pak mají potenciál dotknout se širší kulturní veřejnosti – skrze své odkazy literární, filmové, skrze svá pouta k tradičním kulturám i avantgardám. Do takového rozjetého vlaku nastoupil Jan Jedlička, když se v druhé polovině osmdesátých let setkal s producentem Manfredem Eicherem.

Nejkrásnější zvuk po tichu

Eicher vede ECM Records (Editions of Contemporary Music) od roku 1969. Charakterizovat tenhle přelomový label krátce znamená říci, že pomohl najít identitu evropskému jazzu a šel velmi rychle „nad žánry”, snoubil jazzovou improvizaci s prvky komorní hudby nebo tradičních kultur. Dal prostor americkým zásadním osobnostem (Chicku Coreovi či Keithu Jarrettovi) a objevil pro svět řadu velkých jmen (Jan Garbarek, Pat Metheny, Bill Frisell…).

S počátkem osmdesátých let přibral do portfolia i podoby vážné hudby: velcí minimalisté Meredith Monk a Arvo Pärt premiérují svou hudbu u ECM dodnes. Velmi rychle se ukázalo, že výtvarná stránka hudebních nosičů tu bude jednak výrazná a jednak spojitá napříč jednotlivými alby, vlastně koncepční. Designérka Barbara Wojirsch poznamenala tvář labelu dvacetiletou prací, včetně použití kreseb a písma, rukopisu někdy rozevlátého až k inspiraci Cy Twomblym. Dieter Rahm, další z profilových grafiků, přispívá i fotografiemi, které snad nikdy nemají přímou spojitost s hudebním obsahem. „Na krajině bez člověka je vždycky něco tajemného,” říká Eicher o scenériích, které vybírá na své obaly. Lyrický pohled a jeho neverbalizovaná paralela s hudbou přivedla kanadského recenzenta ke shrnutí, které v ECM převzali jako svůj slogan: „Nejkrásnější zvuk po tichu.”

Grafická stránka ECM s dekádami variací získala i své kritiky: pročištěnost a estétství tu prý odvádějí od konkrétní reality. Ale label, který během padesáti let nikdy neztratil svou nezávislost, si dává pozor, aby se pohyboval spíš v meziprostorech než na jednom z pólů. Výstavní projekty a knižní monografie ECM (tituly Windfall Light: The Visual Language of ECM nebo Horizons Touched: The Music of ECM) čerpají z vizuálů snadno, extenzivně a přesvědčivě.

Žraločí ploutev světla

Když Jan Jedlička koncem osmdesátých let pracoval na svém filmu Echo Vocis Imago, velmi si přál, aby v něm zněla hudba Arva Pärta. Podnikl cestu a zazvonil u berlínských dveří estonského exulanta, který tehdy prožíval první dekádu světového věhlasu. Pärt si zpoza poustevnického plnovousu Jedličku změřil pohledem a po chvíli řekl: „Vás dovnitř pustím.” Jan Jedlička mu ukázal něco ze svého díla: snímky, malby a kresby, které ze svého švýcarského domova odjížděl vytvářet především do jihotoskánského kraje Maremma. Pärt si to prohlížel soustředěně, po zmínce o filmové hudbě se ale zachmuřil: „Ich bin kein Stravinskij, filmovou hudbu na objednávku nepíšu!“ řekl prý. Nicméně prohlásil, že si musí všechno nechat projít hlavou a s českým kolegou se rozloučil. Při nejbližším setkání s Manfredem Eicherem pak ukázal producentovi a ústřednímu duchu ECM Jedličkovy knihy a reprodukce. Udělal tím pro něj víc, než kdyby svolil k užití své hudby.

Eicher, který výtvarnou podobu každého alba ECM schvaluje, se Jedličkovi záhy ozval. Jednak od něj rovnou objednal jeho knihy v počtu deseti či patnácti kusů (rozdával je pak „svým” hudebníkům), jednak ho zajímala spolupráce. Na prvním společně realizovaném titulu je „žraločí ploutev světla”, trojúhelníkový průsvit na stěně domu v Maremmě: původně je to fotodokumentační momentka k filmu Echo Vocis Imago, kde Jedlička zaznamenává putování světla po stěně v pohybu, časosběrně. Černobílý výjev, uspokojivě prázdný a odkazující k něčemu mimo sebe, zapadá do vidění Manfreda Eichera: redukce, abstraktní konstelace, jež může odkazovat k mikro-i makrorovinám, krajina jako „vnitřní krajina” (to je přímo Eicherovo vyjádření). Foto se ocitlo na obalu k orchestrálním skladbám Alfreda Schnittka a Gruzínce Giji Kančeliho vydaným v roce 1992.

Bazilika

Spolupráce se otevřela. Trvá dodnes. Jan Jedlička a Manfred Eicher se tu a tam setkají, Eicher si prohlíží jeho nové věci, vybírá z nich. Při konceptu ECM je charakteristické, že fotografie, malby i kresby jsou stejně použitelné. Uplatňují se i vyexportované momentky z filmů: takhle například ztuhla znepokojivá i slavnostní scenérie vypalování trávníku do fotoobalu pro album trumpetisty Tomasze Stanka From The Green Hill.

Fotostudie architektury chrámu svatého Jiří na Pražském hradě, pocházející z Jedličkova cyklu Bazilika, skončila na jednom z mála skutečně českých titulů ECM: na nahrávce Pražského filharmonického sboru se sbormistrem Josefem Pančíkem (repertoár tvoří Dvořák, Suk a Eben). Tenhle obraz evokuje polovinu devadesátých let, kdy byl Jan Jedlička poprvé v Česku šířeji objevován. Na Pražském hradě (tehdy jakoby samozřejmě otevřeném kultuře a veřejnosti) nejen vystavoval, ale také pro svůj projekt fotografoval a natáčel dopady světla, kterým dává stará architektura v den rovnodennosti přesné nasměrování.

Arvo Pärt a Manfred Eicher. Foto: Tõnu Tormis

Zimní cesta k intuitivnímu pohledu

V roce 1996 v ECM kvůli Jedličkovi založili knižní edici. Prvním svazkem je jeho fotocyklus Zimní cesta k moři. „Rozhodl jsem se cestovat vlakem z Basileje do Haagu, s několika krátkými zastávkami; [cesta se] uskutečnila od pátého do osmého února 1995,” popisuje autor. „V té době jsem četl texty Viléma Flussera o filozofii fotografie a nástupu věku technických obrazů. Chtěl jsem otestovat určitá teoretická tvrzení a postřehy prostřednictvím osobní zkušenosti: Vzal jsem s sebou automatický fotoaparát Nikon AF a jeden svitek černobílého filmu. Přál jsem si cestou prozkoumat své navyklé způsoby vidění a také roli, jakou sehrává aparát. Série obrazů je v knize řazena chronologicky a nebyl tu proveden žádný výběr.”

Fotokniha, která tedy představuje jeden exponovaný film od začátku do konce bez jakéhokoli autorského zásahu, je de facto polemikou s Flusserem: ukazuje, že autorský styl zkušeného fotografa, osobní pohled, nevymizí zcela, ani když tiskne spoušť instinktivně. „Zkoušel jsem,” vzpomíná Jedlička, „co ze mě zůstane, když eliminuji řadu proměnných: třeba kompozici – při rychlosti vlaku, ze kterého fotografujete, není možné komponovat obraz běžným způsobem.” Když doputoval k moři, nafotil – už ne z vlaku – jako vyústění tři snímky z pobřeží. Poslední z obrazů se ocitl na titulu alba Jana Garbarka Visible World. Z alb s Jedličkovými obaly patří právě čtyři alba norského saxofonisty k nejúspěšnějším titulům: roznesla výtvarníkovo vidění krajiny ve stovkách tisíc multiplů do celého světa.

Pohyb v krajinách (Beethovena)

Specifický příběh se váže k užití kartografických kreseb. Producent Manfred Eicher objevil na Jedličkově rozsáhlé výstavě v Josef Albers Museu v Bottropu cyklus terénních kreseb, které Jedlička vytváří při chůzi v krajině. Prochází zhruba dvoukilometrové území a postupně zakresluje „věci, které se nevidí na jeden pohled”. Vzhledem k tomu, že jednotlivé kresby zachycují proměnlivý stav jediného místa v čase (a proměny, třeba dočasnou naplněnost krajiny vodou, tu lze dobře sledovat), Eicher prohlásil díla za partitury svého druhu a navrhl, aby byly použity jako série. Osm kartografických kreseb tak svým gestem doprovodilo osmidílné vydání Beethovenových klavírních sonát v podání elitního interpreta Andráse Schiffa (2005–2008).

Andráse Schiffa spojuje s Janem Jedličkou téma exilu. „Zajímá mě nikdy nekončící proměna,” říká Jedlička o procesech v krajině, a je to evidentně konsekvence jeho putování světem, odchodu z původního domovského místa. Schiff prožil odchodů řadu. Po emigraci z komunistického Maďarska se snažil získat občanství USA, což se nepodařilo (kvůli dlouhým koncertním turné, kdy byl mimo Spojené státy). Později získal rakouské občanství a žil střídavě v Londýně a Salzburgu; rakouské státní příslušnosti se však vzdal na protest proti nástupu krajní pravice. Vezměme v úvahu osudy dalších exulantů (Arvo Pärt), podporu ECM americkým či postsovětským umělcům, kteří měli doma špatné podmínky, a také Eicherovo dlouholeté natáčení v Oslu či v Itálii: to všechno poukazuje na blízkost myšlenek ECM a Jedličkova celoživotního sledování světa v pohybu a proměně. Když vznikala nahrávka Bachova Dobře temperovaného klavíru, András Schiff se projevil nejen jako klavírní virtuos: Napsal k nahrávce krátkou teorii o barvách a požádal Jana Jedličku, aby ji doprovodil vizuálem.

Jedlička – vstřícně a zároveň spíš volně – vybavil obal polyfonickou strukturou lineárně zakreslených horizontů, „pohledů do nekonečna”. Patnáctibarevná konstelace se podobá Jedličkovým proslulým „vzorníkům barev” – přehledu barevných pigmentů, které umělec získává drcením a louhováním z hornin nalezených a vykopaných v krajině. Celý proces, pro Jedličku zásadní a i po letech okouzlující, přibližuje nejen dokumentární snímek Petra Záruby Jan Jedlička: Stopy krajiny (2020), ale také krátký film, jejž pořídilo samotné vydavatelství, když mapovalo padesáti portréty cyklu ECM50 pět dekád své činnosti.

Label jako koncept a galerie

Letošek je třicátým rokem oboustranné spolupráce, nejnovější z obalů vyšel čtyři měsíce před vernisáží výstavy v GHMP (k titulu András Schiff / Jörg Widmann: Johannes Brahms – Clarinet Sonatas). ECM Records samozřejmě spolupracují s větším počtem autorských fotografů, někteří mají své charakteristické polohy: je tu Jean-Guy Lathuilière a jeho noční snímky s hustou, dezorientující modří; na snímcích Řekyně jménem Fotini Potamia se opakovaně zjevují spleti větví a jejich stínů, dopadajících netečně na lidský svět. Gérald Minkoff zase pohlíží na scenérie v čemsi prázdné – až cosi chybějícího, doplňujícího celek, čekáme od hudby pod obalem.

Žádný z těchto výtvarníků se však nevztahuje ke krajině ve spojitém pásmu celé řady technik jako Jan Jedlička. Černobílé fotografie tu figurují vedle barevných polaroidů, akvarelů, kreseb. Pigmentové pole dokáže být stejně monochromní jako fotografův pohled do šedomodrého nebe. Přímý fotografický dokument a autorské subjektivní svědectví tu stojí vedle sebe tak samozřejmě, až přestáváme vnímat hranici mezi prvním a druhým.

V Janu Jedličkovi našel Manfred Eicher kohosi, kdo mu pomohl vyjádřit identitu ECM. Český a evropský výtvarník zase získal v ECM médium, které během let, postupně, tak trochu jako při sedimentaci v krajině, nabízí interpretaci: vykládá, čím je jeho dílo.

S Jiřím Thýnem o nacházení tvarů a hledání bezprostřednosti

Expozice Jiřího Thýna v Domě fotografie je volně spojená s výstavním projektem vytvořeným před deseti lety také pro GHMP, tehdy v prostorách Staroměstské radnice. S tvůrcem, který tentokrát vede dialog se sochařským dílem Hany Wichterlové, se na procházku časem i prostorem vydala Hana Buddeus.

Jiří Thýn, Ohnuté torzo, 2020
Jiří Thýn, Ohnuté torzo, 2020
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021
Jiří Thýn, bez názvu, z cyklu Mlčení, torzo, přítomnost, 2021

Autorka je historička umění, zabývá se fotografiemi a reprodukcemi uměleckých děl. Pracuje v Ústavu dějin umění AV ČR. Posledních pět let se věnovala výzkumu fotografií Josefa Sudka (sudekproject.cz). Je členkou redakční rady časopisu Fotograf a kurátorského kolektivu stejnojmenné galerie.

Nasněžilo tolik, co za poslední roky v Praze nikdo nepamatoval. Jirka na mě čekal u stanice metra, nedaleko někdejšího sídlištního knihkupectví, které se v devadesátých letech proměnilo na kasino. Demoliční práce na bývalém kině Moskva, později multikině Ládví, proběhly vloni, teď tu roste nový supermarket. Chtěla jsem o tom něco zjistit a našla jsem vyjádření mluvčího Penny Marketu pro ČTK z května 2020: „V případě Ládví, stejně jako u všech ostatních prodejen Penny, bude architektonický návrh připraven tak, aby nový objekt zapadl do okolního prostředí.“ OK.

O kousek dál se zastavujeme u jezírka s plastikou pelikánů, kterou zrestaurovala skupina Ládví. Za aktivitami této skupiny navracející na začátku milénia umění do života sídliště stáli místní patrioti Jan Haubelt, Adéla Svobodová, Tomáš Severa a Jiří Thýn. Na seznamu jejich uměleckých realizací z nultých let bylo např. Prostříhání keřů zakrývajících sorelový reliéf na fasádě, zhotovení Stojanu na křídy na dětském hřišti, nebo umístění autorských Pohledů Ládví v místní prodejně tabáku.

Vyladění přichází zevnitř

Sídlištní zástavba tvořená bloky panelových domů s velkými parkovými plochami pozvolna přechází do vilové zástavby. Míjíme menší paneláky, procházíme kolem řadových domů, cesta nás vede k Ďáblickému háji. Stopy od běžkařů, mráz, vítr, bílo. Bavíme se o hledání možností, jak zachytit živé gesto a zbavit tak fotografii předpokladu, že výsledný obraz je vždy předem promyšlenou konstrukcí.

Jirka se podobně jako i v jiných rozhovorech vrací k fotografickému diptychu Kompozice č. 17 a Kompozice č. 27 z roku 2007. Během čtrnácti dnů systematicky fotografoval předměty na pracovním stole s cílem najít ideální kompozici. Dospěl k tomu, že kompozice je závislá především na aktuálním rozpoložení pozorovatele: „Záleží na tom, jak se nastavíš ty, ani ne tak na těch věcech.“ Vyladění přichází zevnitř, ne zvenku. „Skoro přesně před deseti lety jsme dělali se Sandrou Baborovskou výstavu pro GHMP, tenkrát ještě na Staroměstské radnici. Jmenovala se Předobrazy, Prostor, Abstrakce.“ Tehdy jsem pro Artlist o Jirkovi napsala: „Jiří Thýn fotografický obraz staví, neobohacuje skutečnost pouhou volbou úhlu pohledu, ale cíleně vytváří novou realitu.“ Seděli jsme tenkrát v kavárně Indigo a vykouřili z nervozity ze setkání perspektivního umělce a začínající historičky umění krabičku startek.

Jsme o deset let starší, s o něco menším ostychem teď jdeme lesem. Témata hovoru jsou identická, a přece jiná, stejně tak jako náš pohled. Za Jirkovým ohledáváním fotografie je dnes mnohem zřetelněji cítit existenciální linku související s omezeními, s danými možnostmi tohoto média. Za systematičností a konstruovaností najednou mnohem zřetelněji vidíme snahu hledat cestu, jak s fotografií naopak pracovat bezprostředně.

Vypůjčit si tvar

Při hledání vhodných tvarů Jirka opakovaně sahá do dějin sochařství. Přestože se podle jeho slov jedná o náhodná setkání, už jen to, jak se opakují, dává tušit jejich význam. Fotografie Prostorové kompozice Katarzyny Kobro (1898–1951) reprodukovaná v jakési knize; reprodukce sochy Grands Ventres Aliny Sapocznikow (1926–1973) přišpendlená na nástěnce ve fotokomoře. Černobílé reprodukce Thýn znovu ukotvuje ve fyzickém prostoru, doplňuje je o barevné světlo, jak tomu bylo v případě Prostorové kompozice, „jednoduchého geometrického tvaru v odstínech šedi“, kterou před deseti lety zrekonstruoval pro výstavu na Staroměstské radnici: „Líbilo se mi to jako prostorové řešení a zároveň to odkazovalo k nějakému fotografickému kontextu. Rozhodl jsem se, že tam tu věc udělám znovu, akorát že posunu měřítko a doplním to o barevný prostor.“ Nebo o přímou fyzickou akci – jako na výstavě Tvar, práce a dvě tlustá břicha před dvěma lety v galerii hunt kastner –; „rozváděl jsem do autonomních tvarů a tematizoval jak abstrakci, tak i práci jako takovou, zároveň i samotnou objektovost a site specific instalaci“ na základě reprodukce sochy tlustých břich Aliny Sapocznikow. Vystoupali jsme k Ďáblické hvězdárně, vypínáme na chvíli diktafon a díváme se do krajiny.

Cestou zpátky si povídáme o připravované výstavě pro Dům fotografie GHMP. Asi se bude jmenovat Mlčení, Torzo, Přítomnost. Předobrazem použitých tvarů je tentokrát Pupen Hany Wichterlové (1903–1990). K (ne)náhodnému setkání autora se sochou došlo na nedávné výstavě fotografií Josefa Sudka. To, co nás dnes na Wichterlové fascinuje, její soustředěnost a to, že toho udělala málo – něco jako slow art before it was cool – ještě v sedmdesátých letech historik umění František Šmejkal vnímal jako vadu, když psal o jejím „na realizace bohužel nepříliš bohatém díle“, jímž „uvedla do českého umění nejaktuálnější problémy soudobého světového sochařství“. Jak dá Jiří Thýn jejímu dílu prostor v připravované výstavě? „Vypůjčím si tvar, který získám přefocením jejích věcí. V určitém úhlu pohledu vznikají kontury, které si vezmu pro svoji práci, a znovu je ukážu.“

Otevřenost náhodě

Ve chvíli, kdy si o výstavě povídáme, je všechno ještě v procesu vzniku. Jirka má vyjednané povolení k fotografování děl, zhotovuje skici a přemýšlí o třech vrstvách výstavy, což je dle jeho slov „modus operandi“, který dle vlastních slov poprvé použil před těmi deseti lety na výstavě Předobrazy, prostor, abstrakce. Podle aktuální představy bude výstava sestávat z masivní ornamentální plochy – instalace z omítnutých sádrokartonových stěn, z fotografií zaznamenávajících jednotlivé fáze vzniku malby na sádrokartonu a z fotogramů…

Vracíme se k hledání formy, jak do fotografie dostat emoci. Do značné míry je to otevřenost náhodě a práce s nevědomím: „Jsem teď v situaci, kdy se ty různé proudy spojují, hledám formu, jak s obrazem, ať už digitálním nebo analogovým, pracovat v nějaké bezprostřednosti, nejsem si jistý, jak se to podaří, je to do značné míry otevřené nějaké principiální náhodě, která tě dostane do něčeho jiného, než co si můžeš domyslet. Proto je tak důležitá metoda, která souvisí s nějakou prací s nevědomím.“

Jirka rituálně sestupuje do fotokomory ve sklepě rodinného domu a pouští si hudbu francouzské skladatelky Éliane Radigue. První synťáky. „Zvláštní hluk, který si uvědomíš až ve chvíli, kdy skončí a je ticho.“ Ponoru do patosu se bráníme smíchem.

O Františku Skálovi

František Skála, O dobré a zlé moci, 2000
František Skála, O dobré a zlé moci, 2000
František Skála, O dobré a zlé moci, 2000
František Skála, O dobré a zlé moci, 2000
František Skála, Hrad Svícen, 2009
František Skála, Hrad Svícen, 2009
František Skála, Hrad Svícen, 2009
František Skála, Hrad Svícen, 2009

Jako v těch pohádkách
Karel Šiktanc

Máme spolu čtyři pohádkové knížky.
Ta první, Královské pohádky, musela na vydání dlouho čekat (protože mi její rukopis nakladatelství Československý spisovatel po okupaci vrátilo… neodpovídal jeho úrovni). Asi za dvacet let, před listopadem 1989, si na něj ale moudré paní redaktorky z Albatrosu vzpomněly – a zadaly ho k ilustrování Františku Skálovi mladšímu. Kniha vyšla v roce 1993? Když jsem přinesl domů první výtisk, ženě se rozsvítily oči. “Teda vy dva jste se snad hledali. Vy patříte k sobě…” Takže ty dámy mají na svém dobrém čistém svědomí, že tohle potkání nám dělá podnes radost.

Vydali jsme pak v Albatrosu ještě i druhou knihu: O dobré a o zlé moci. Za obě pohádkové jsme oba dostali cenu nakladatelství a Zlaté stuhy.

A pokračovali jsme v té spolupráci i potom v nakladatelství Karolinum, které se doteď vlídně stará o mou básnickou tvorbu. V roce 2009 vyšel Hrad Svícen a v roce 2016 Hora Zlodějka.

A je to trochu zvláštní: my dva se spolu vídáme zřídkakdy (semtam na jeho výstavách či na Tros Sketos), ale víme o sobě… A i na dálku jsme si blízko. Jako v těch pohádkách, u kterých jsme se asi před třiceti lety sešli.

František Skála, Skutečný příběh Cílka a Lídy, 2007

Dál hrát hru stvoření
Michal Ajvaz

Už si nevzpomínám, které dílo Františka Skály jsem viděl poprvé a kdy se to stalo. Myslím, že to bylo ještě před rokem 1987, kdy se konala výstava Tvrdohlavých, kdy vyšlo Velké putování Vlase a Brady a sborník Život – ten obsahoval několik Františkových obrázků, které patřily do žánru „vědeckých ilustrací“. (Ty vědecké ilustrace jsem pečlivě prostudoval s lupou a doteď mně vrtají hlavou: z jakého důvodu na vzdáleném pozadí obrázku sépie shazuje skupina lidí z útesu do moře jakousi mužskou – nebo snad ženskou – postavu? Proč dva muži na pozadí obrázku blatouchu kopou v lese hrob – jestli mělo jít o odstranění těla zavražděného, proč je hrob označen křížem? Už tehdy jsem měl pocit, že každý z těchto dějů by vydal na mnohasetstránkový román.)

Pravděpodobně ještě před rokem výstavy Tvrdohlavých jsem viděl Františkův absolventský film Oči, a také je možné, že nejdříve ze všeho jsem Františka Skálu viděl bubnovat se skupinou Extempore. Všechno se mi rozplývá v mlze vzdálených osmdesátých let, která přes mizérii spojenou s životem v totalitním režimu nebyla nejhorší dobou mého života, zejména proto, že tu bylo společenství lidí, kteří se snažili dělat něco smysluplného (já jsem psal v maringotce na psacím stroji básně a povídky), kteří si půjčovali nedostupné knížky, upozorňovali se na zajímavé koncerty, výstavy a divadelní představení.

Pamatuji si alespoň to, že od počátku mi věci, které František Skála dělal, byly nejbližší z tvorby jeho vrstevníků a patrně z výtvarného umění té doby vůbec. Na začátku devadesátých let jsem jej poprosil, aby ilustroval mou druhou knížku. Knížka měla malý formát a výtvarná koncepce ediční řady dovolovala jen kresbu na obálce a frontispis, a přece se do těch dvou drobných kreseb Františkovi podařilo vměstnat celý svět mé druhotiny – ze změti čar tu vystupují (anebo se do ní naopak rozpouštějí?) všechny věci, postavy a krajiny, o kterých jsem psal.

V dnešní době, kdy je ve výtvarném umění tolik nadutosti a předstírání hloubky, zůstává František Skála skutečným tvůrcem, stvořitelem světa. V mém imaginárním muzeu je sál s Františkovými díly hned vedle sálu, kde visí obrazy Václava Boštíka: Boštík maloval vlnění prázdna před stvořením, prázdna, v němž se skrývají miliony tvarů, bytostí a dějů, František Skála zaznamenal velký zrod těchto tvarů, bytostí a dějů, které byly v plodném prázdnu skryté, rozvíjí před námi velké theatrum stvoření světa. František uctívá tvary našeho světa ne tím, že je opakuje, ale tím, že pokračuje ve hře stvoření, která vedla k jejich vzniku, ve hře, v jejímž základě je kreativita a radost. Pokračuje v ní velkoryse, a přitom pokorně: dívá se na věci, naslouchá jejich tichému hlasu a splňuje jim jejich sny, se kterými se mu svěřují.

A z těch uskutečněných snů věcí vyvstává svět, v němž je féeričnost i humor a v němž vyrůstá jakási nová mytologie, která naznačuje velkou jednotu všeho, co je, jednotu, v níž se smiřuje pozorný pohled na skutečnost s odpoutanou fantazií a jež spojuje do jediného propojeného celku přítomnost a minulost, přírodu a člověka, organické a technické tvary.

František Skála, Velké putování Vlase a Brady, 1989

Frajer
Petr Nikl

František Skála.
Zpěvák písní svých i cizích. Nic mu není svaté.
Nerozpakuje se vzít si do huby Elvise či Waitse.
Tyje z takových jmen, jako jsou Dylan, Spálený, Bobek.
Zdravý jako řípa přezpívává text chovance psychiatrického ústavu.
Bez ostychu se dotýká nekorektních témat. Lascivitou si nezadá s pubertálními dvojsmysly.
Taková doprovodná výzva se neodmítá.
Před třemi lety mi říkal o nabídce sólového koncertu. Že prý ale nechce hrát sám.
Tak jsem se přidal.
Že prý by to chtělo nějakého basáka.
Řekl jsem mu o jednom podivínovi z Maleniska.
Mirek je multi, Mirek hraje na elektrickou kytaru, violu i violoncello.
A hlavně je to zjev, já zase skrček.
Skrček napravo, zjev nalevo, uprostřed frajer. Nebudeme přečnívat.
Sedíme u sebe dost blízko.
Že prý nechce vypadat jako písničkář. Tak proč si bere úzké kalhoty?
Tak proč hraje v špičatých krokodýlích botách? Vždycky to dost bolí.
Kope mě, když se rozdivočím. A posluchači se smějí.
Myslí si, že to máme nacvičené. A mně to zase nedá.
Tak on zase kopá. Uprostřed písně komanduje.
Zakázal mi hrát na prasátko.
Stálo stovku ve zverimexu, parádně chrochtá. A lidi to mají rádi.
Já tu přece nehraju pro něj, ale pro ně. Jen ať se smějí.
Přece nechce vypadat jako vážný písničkář.
Tak se snažím jak můžu, ale vždycky to schytám. Že prý se předvádím… já?
Že prý bubnuju až moc.
Že prý to chce hlavně pokoru. Ale čí… ?
Teď se ještě přidal kontrabasista Petr. To je ostřílený hráč.
Na toho si nedovolí.
Jestli mě ještě jednou kopne, půjdu si hrát svoje…
Já si hraju vždycky svoje!
Beztak ho mám rád i když mi nikdy asi doprovodného hráče dělat nebude… A nedávno přišel s dechovkou!
Že prý s ní nazpívá své morbidní písně intonací Vaška. Evu mu dělat nesvedu.
Po každém koncertě jde za svou ženou stejného jména a hodně na ni dá!
To ona bývá jeho prvním posluchačem. Bohužel se jí naše souhra málokdy líbí. Hořekuje, jak to bylo strašné…
A my si to přitom vždycky tolik užijeme!
Okopávánek.

Petr Nikl hraje spolu s Františkem Skálou ve skupině Třaskavá směs.

František Skála a jiné práce

Výstavou v Domě U Kamenného zvonu představuje František Skála F S poprvé svou ilustrátorskou tvorbu, které se věnuje od začátku osmdesátých let. Po divácky úspěšných výstavách v Galerii Rudolfinum a ve Valdštejnské jízdárně Národní galerie tak můžeme poznat další tvář Skálovy poetické, tajemné, do přirozeného světa vrostlé tvorby, které nikdy nechybí neokázalý vtip.

František Skála, Tygr špekáček (Carl Sandburg: Pohádky z bramborových řádků), 1988, kombinovaná technika, 160×155 mm
František Skála, Tygr špekáček (Carl Sandburg: Pohádky z bramborových řádků), 1988, kombinovaná technika, 160×155 mm
František Skála, Ichtyostega z cyklu Život, 1987, akvarel, tužka, 300×200 mm
František Skála, Ichtyostega z cyklu Život, 1987, akvarel, tužka, 300×200 mm
František Skála, Kopynatec z cyklu Život, 1987, akvarel, tužka, 300×200 mm
František Skála, Kopinatec z cyklu Život, 1987, akvarel, tužka, 300×200 mm
František Skála, Felčar (Zapomenutá řemesla a řemesla našich předků), 1987, akvarel, 280×200 mm
František Skála, Felčar (Zapomenutá řemesla a řemesla našich předků), 1987, akvarel, 280×200 mm
František Skála, Baba Jaga Kostlivá noha, 2011, akvarel, pastelka, 275×208 mm
František Skála, Baba Jaga Kostlivá noha, 2011, akvarel, pastelka, 275×208 mm
František Skála, Baba Jaga v hmoždíři... (Alena Ježková: Baba Jaga kostlivá noha), 2011, akvarel, pastelka, 275×208 mm
František Skála, Baba Jaga v hmoždíři... (Alena Ježková: Baba Jaga kostlivá noha), 2011, akvarel, pastelka, 275×208 mm

Zdeněk Freisleben je kurátor současného umění a teoretik knižní kultury. Od roku 2008 působí jako ředitel Památníku národního písemnictví. Je autorem řady výstavních projektů zabývajících se přesahy textu a vizuálního umění: Cosi jako kniha, Obrazy slov, Karel Teige, Písmo a znak aj. Je členem direktoria Nejkrásnější české knihy roku a předsedou poroty Grafika roku. Publikoval řadu textů věnujících se výtvarnému umění a úpravě knih.

Nejedná se o pouhý výčet zhruba dvaceti převážně dětských knih, které jeden z nejznámějších českých výtvarníků posledních dekád ilustroval. Výstava nechává nahlédnout, jak je profese ilustrátora úzce propojena se Skálovou volnou tvorbou malířskou, grafickou a sochařskou. Jak se vine jeho dílem jako ponorná řeka, ve které se zračí tvůrčí období a okouzlení. Práce na jednotlivých knihách, a to především těch autorských, je vždy neodmyslitelně, jaksi osudově, spojena s dobou vzniku. Promítá se do nich autorův obraz světa, pečlivá volba způsobu uchopení tématu a použité techniky a celkový, zodpovědný, ale zároveň svobodný přístup k tvorbě. Výstava začíná obrazy vytvořenými pod otcovým vedením na hranici dětství, vede přes hledání v době studií a přes zralá léta až k nahlédnutí do nejnovější tvorby.

Z F            Přestože jsi uváděn a znám především jako sochař, malíř, hudebník, tanečník a podobně, o tvé ilustrační práci se toho často moc neví. Přitom se prolíná nenápadně celou tvou uměleckou tvorbou. Tvoje první knižní ilustrace, navzájem dosti různé, vznikly v letech 1983 až 1985. V roce 1984 jsi získal ocenění za Nejkrásnější českou knihu roku.

F S            Jaký to pro tebe byl krok od animovaného filmu? Vystudoval jsem sice film – ale film je většinou týmová práce a mně vyhovuje dělat si všechno sám a být za svou práci zodpovědný. Bez kompromisů. Zároveň jsem začal živit rodinu a možnost dělat to tímto krásným způsobem je sen. V té době byla totiž ta práce dobře placená. V současnosti bych se spíš vyučil instalatérem nebo ťukal do „compu“, abych se uživil.

Z F            Pokud vím, začínal jsi vědeckými ilustracemi. Jako první jsem samozřejmě dostával malé zkušební zakázky. Korálek – sešitek pohádek z Albatrosu nebo nesnesitelný sovětský dívčí román. Grafický úpravce Milan Kopřiva mi tuto knihu pro nakladatelství Mladá Fronta dal ilustrovat s tím, abych ji vyzdobil malými kresbami dívčích obličejů. Takže skutečně „prubířský kámen“. Když jsem si mu stěžoval na úroveň textu, který jsem zodpovědně třikrát přečetl, řekl mně na to: „To jste neměl číst, pane Skálo“.

F S            Posléze jsem byl zkoušen na nezáživných vědeckých ilustracích, jako jsou různé tabulky a mapky, a až později jsem na základě předvedených schopností mohl svůj um rozvinout. On se staral o to, aby populárně naučné knihy jako např. Planeta Země nebo Život byly výtvarně zajímavé. Dělalo na nich vždy několik ilustrátorů a já jsem se posléze dostal do speciální kategorie, kterou jsem pojmenoval „Humor ve vědecké ilustraci“. Tabule klíčových evolučních momentů, které měly charakter starých litografií museli někteří „sušší“ vědci skousnout. Kromě nezbytného „vývoje progresívnější větve měkkýšů“ se totiž v pozadí odehrává na pobřeží dramatická scéna, kdy byl odsouzenec právě svrhnut z vysokého mola do moře a posel, spěchající od lodě vzhůru pěšinou s depeší o jeho nevině, přichází pozdě.

Z F            V roce 1984 jste spolu také dělali knihu Zapomenutá řemesla. Milan Kopřiva mimo jiné využíval koláže s ornamenty a charakteristickým písmem. Pro pamětníky byl také autorem zajímavé grafické úpravy časopisu 100+1 zahraniční zajímavost.

F S            Dá se říct, že mu za hodně vděčím. V tom rozhodujícím věku, kdy člověk začíná, potřebuje dostat šanci ukázat co umí. A když to někdo umí ocenit, povzbudí to k ještě lepším výkonům. Naše spolupráce byla založena na důvěře a odpovědnosti. Mám pocit, že jsem zpočátku snad neměl ani žádné smlouvy. Ač jsem byl krátce po škole, jednal se mnou jako s profesionálem a pokaždé jsem od něj odcházel s pocitem hlubokého smyslu. Byl zároveň jakýmsi editorem, který koncipoval tyto obrazově atraktivní členské prémie vycházející v astronomickém nákladu 135 000 výtisků.
Na prvním dílu Zapomenutých řemesel jsem pracoval asi 7 měsíců a z toho 3 jsem strávil studiem po knihovnách. V památníku písemnictví jsem listoval v gotických knihách. Žlutický kancionál zrovna převezli ze Žlutic, kde v něm listovali turisti a některé stránky dost ošoupali. Taky jsem objížděl staré řemeslníky a tahal z nich rozumy. Sedláře nebo bednáře v pivovaře v Krušovicích. Moc rád na to vzpomínám. Pro zajímavost, za jednu postavičku řemeslníka, kterých je v knize asi 140, jsem v r. 1984 dostal 600 Kčs.

Z F         Co pro tebe vlastně znamenalo ilustrování pohádkových příběhů? Svým způsobem to znamená i setkávání s řadou zajímavých autorů. Byla tohle právě tvá motivace?

F S         Motivace to nebyla. Zpočátku jsem si nemohl vybírat, ale měl jsem štěstí, že až na výjimky jsem ilustroval vždy vynikající literaturu. Když se podíváte na ten seznam, jsou to samá zásadní díla, se kterými vždy velmi rezonoval můj postoj k životu. Jako starý hipísák a „mánička“ neustále perlustrovaná tehdejší VB jsem si doslova vychutnával pohádky Carla Sandburga, předchůdce beatnické generace. Ty pohádky jsou plné různých tuláků a postav na okraji společnosti, hadrářů, žebráků, jako třeba „Slepý Brambora“ a jsou velice poetické. Prostě to nejlepší z americké kultury. Dále knihy Michaela Endeho. Hlavně Děvčátko Momo a ukradený čas, ve které už v sedmdesátých letech předpovídal nebezpečí, kam se společnost bude ubírat. Měla by být povinnou četbou ve škole. Pak také Bratři Lví srdce od Astrid Lindgrenové. Odvážný příběh, kdy dva dětští hrdinové na začátku knihy zemřou a zbytek se odehrává v jakémsi zásvětí – Nangijale.

František SKála, Setkání světů z cyklu Obři, 2013, suchá jehla, 39,5×30 cm
František SKála, Setkání světů z cyklu Obři, 2013, suchá jehla, 39,5×30 cm

Z F            V roce 1989 vyšel tvůj autorský komiks Velké putování Vlase a Brady, který se stal od té doby legendární. Jak k tomu došlo?

F S            Byla to souhra několika okolností. V okruhu mých přátel jsme adorovali postavu „Ďábelského doktora“, romantického padoucha, který jako charakter komiksů nebo filmů dávno existoval a v mnoha obměnách existuje stále, jako personifikace zla. Žije v upířích hradech, starých továrnách, sanatoriích, jako šílený vědec, který chce zničit svět apod. Později jsem si uvědomil, že byl pro nás i jakýmsi sympatickým reprezentantem nadpřirozených sil, na kterého jsou soudruzi krátcí. Vytvořil jsem ve škole litografii, na které unášejí ďábelští doktoři ve svém americkém bouráku spoutané papaláše. Zároveň jsem byl ale plný hlubokých lesů, „bytostí starého světa“ a dobrodružných výprav s dobrými druhy. Bylo to v době nástupu postmoderny a vzniku umělecké skupiny TVRDOHLAVÍ, kdy jsem se vracel k základním inspiračním zdrojům dětství. Od ilustrování se dávno vydělila moje volná tvorba a politická situace v rámci tzv. perestrojky nazrála natolik, že jsme zkusili se spolužákem, který byl v Albatrosu výtvarným redaktorem, navrhnout k vydání tuto dosud zapovězenou „západní“ formu dětské knihy. V seriálu se objevily bytosti, které jsem před tím vytvořil jako volné plastiky a prezentoval na výstavách (Velký datel, Motýl na květině – Škuran). Socha „Lesojana“ naopak vznikla na základě jeho výskytu v „Modrém lese“. V polovině devadesátých let se dva roky pracovalo na adaptaci pro celovečerní animovaný film. K realizaci ale bohužel z finančních důvodů nedošlo. Velká kniha Vlase a Brady, která vychází k výstavě, je luxusní vydání obohacené o veškeré přípravné kresby k filmu. Je tam mnoho nových informací a ukázky ze scénáře.

Z F            Ilustroval jsi také Pohádky matky husy od Charlese Perraulta, předtím tuto knihu ilustroval také Jiří Trnka. Jak jsi to vnímal?

F S            Vždycky je těžké dělat něco po někom, kdo to udělal krásně a líbí se nám to. Pokud má člověk pocit, že to nelze, neboť ilustrace už neodmyslitelně patří k dílu (například ilustrace od Adolfa Kašpara ke knize Babička), nemá se do toho pouštět. To platí obecně. Pokud je změna k horšímu, tak proč? Perraulta jsem ale dělal s velkou chutí. Je to totiž typ obecných pohádek zasazených sice do historie, ale člověk si může i trochu vymýšlet.
Těžší je to třeba v případě ruských pohádek, kde je nutné nastudovat spoustu materiálů a dobových reálií a taky se podívat na ruské ilustrátory. Asi je třeba říct, že můj otec byl malíř a hlavně ilustrátor a mohl jsem v dětství sledovat, jak velice dbal při své práci na věrohodnost reálií, lidských typů a podobně. Japonské pohádky nemohou vypadat jako chodské. Když jsem dělal na povídkách Jindřicha Šimona Baara, jel jsem na 14 dní na vandr na Chodsko. Občas tam byly ještě zbytky lidové architektury.

Z F            Sám jsi jednou zmínil, že Karel Šiktanc tě bere jako „dvorního autora“. Jak začala vaše spolupráce?

F S            Jeho první pohádky, které napsal ještě za „totáče“, jsem dostal z Albatrosu někdy v r. 93.Asi se v té době promítlo do způsobu, jak jsem je ilustroval, moje okouzlení Alénem Divišem a Bohuslavem Reynkem. Karel Šiktanc je ještě pamětník starého světa, který zažil v dětství. To znamená, že to, co píše, nezná z doslechu a není to „vycucáno z prstu“. Je to mistr slova a strážce krásného českého jazyka. Koneckonců je to vynikající básník. Ilustrovat jeho knihy je slast, neboť jsou plné výtvarných obrazů, které podává s takovou přesvědčivostí, že je možno si je představit se všemi vjemy. I se zvukem a čichem. Vždy mě zaráží, proč si některou jeho pohádku nevezme jako předlohu pro film nějaký režisér. Jsou to totiž téměř filmové scénáře. Obraz – dialog – zvuk. Patrně proto, že radši napíše nějakou slátaninu, aby za ni dostal zaplaceno.
Nejradši ilustruji silné atmosféry a k tomu je také potřeba znát tu situaci z vlastní zkušenosti. Být v lese, když se zvedne vichr a padají větve, nebo sedět v noci s přáteli u ohně u staré zříceniny. To se nedá vygooglit. Jeho jazyk je někdy pro mladé rodiče složitý, protože oni už mluví jinak. Trochu „čenglish“. Já ale nejsem příznivcem „aggiornamenta“ – přizpůsobení se současnosti za každou cenu. Děti potřebují nasávat krásná slova, neboť je samy umí vytvářet.

Z F            V roce 2006 vyšel tvůj obsáhlý fotografický komiks Skutečný příběh Cílka a Lídy, fotografovaný v reálném lesním prostředí a předcházela mu malá knížečka Jak Cílek Lídu našel. Pokud vím, stal se inspirací i pro Svěrákův film Kuky se vrací.

F S            Jojo, Kuky je Pepion, co ušil náš Franta ségře Bětě do Francie, ale o tom radši nebudeme mluvit. To byla nepříjemná, ale cenná zkušenost reálného kapitalismu. Na poslední stránce Vlase a Brady je pár fotek, co pořídil tučňák Michal. Jsou to právě moje sochy v reálném prostředí, kde jsem pracoval s iluzí měřítka. Od té doby jsem nosil v hlavě, že musím udělat takový příběh. Pokud vím, nikdo do té doby nic podobného nedělal a pak jsem pochopil proč. Protože to je strašná práce. Začal jsem to s nakladatelstvím Meander, ale po půl roce práce jsme se nepohodli, takže vznikla jakási předehra té velké knihy. Jako už několikrát mě zachránil Martin Souček (nakladatelství Arbor vitae) a já jsem to mohl v klidu a profesionálně dodělat. Vyšlo to i v angličtině a výstavy proběhly v Praze, Tokiu, New Yorku, Vídni a muzeu komiksu v Bruselu. Fotil jsem to analogovým Nikonem na film a vlastně to bylo jako natáčet film se všemi profesemi co k tomu patří, jenomže jsem všechno dělal sám. Teď už bych to asi fyzicky nedal, protože se to podobalo výcviku speciální jednotky. „Do křoví! K zemi! Vztyk! K zemi! Vztyk!“ atd. Ale nikdy jsem tak intenzívně neprožil roční období v přírodě od jara do mrazů.

Z F            Existuje nějaká kniha, kterou jsi dělal s mimořádným potěšením?

F S            Každou knihu jsem dělal s mimořádným potěšením. Kdyby to tak nebylo, nedělal bych to. Důležité je, že nejsem typ autora, který si najde svůj styl, a tím pak ilustruje, co mu přijde pod ruku. Ke každé knize přistupuji jako k novému úkolu. Trvá mi dlouho, než vymyslím, jakým způsobem to budu dělat, a každé ilustrace jsou trochu jiné. Protože mezitím dělám spoustu jiných věcí, musím přehodit výhybku a dostat se na správnou kolej. Na první čtení, ke kterému si dělám drobné poznámky, kde ilustrovat, si nechávám klid a ideální je pracovat na knize na jeden zátah na venkově. Nelze mezitím běhat na poštu nebo na schůzky. Když jsem dělal Babu Jagu, kostlivou nohu, byl jsem zavřený na samotě ve sněhu. Jenom práce, jídlo, dřevo do kamen a kočka. No a dělat autorskou knihu dva roky je velké potěšení, ale mohu si to dovolit jen proto, že mě živí volné umění.

František Skála, Kočka a holička – Pidilidi, 2013, kresba perem, 27×18 cm
František Skála, Kočka a holička – Pidilidi, 2013, kresba perem, 27×18 cm

Z F            Vratislav Brabenec je autor řady textů skupiny Plastic People of the Universe. Upravoval také například texty ze Starého a Nového zákona a texty Ladislava Klímy. S tebou spolupracoval na své knize Legendy a čáry.

F S            Vráťovy texty jsou skvělé. Je v nich dost životní moudrosti a humoru. Chtěli s Richardem Pechou, který mu to vydává v nakladatelství Vršovice 2016, abych udělal osm kreseb, ale já udělal asi čtyřicet, že se vyberou. Nakonec použili skoro všechny. Tedy je to ten způsob, že se mnohdy textu jen dotýkají a vznikají vtipné souvislosti. Takhle jsme postupovali například ve sbírce poezie B. K. S. Kaloty, která vyšla v Revolver Revue. Udělal jsem hromadu špiček, které jsme pak přiřazovali k básním, jak se nám zdálo vhodné. U knihy rytíře „Řádu Zelené Berušky“ Jiřího Oliče Velký strážce jsem měl zase jen vymezené tematické okruhy – o hercích, o jazzu, o hasičích, o indiánech, o učitelích apod.

Z F            Podílel ses také na bibliofiliích.

F S            Bibliofilie jsou pokračováním práce na volné grafice. Před pár lety jsem se k tomu po dvaceti letech vrátil a udělal během půl roku šestnáct suchých jehel. Mohl bych pokračovat dál, ale zase mě to odvedlo jinam. Všude se otevírají nekonečné a lákavé obzory.

Z F            Ještě se vrátím ke knize Žabí zámek od Josteina Gaardera, která vznikla za pomocí neobvyklých koláží. Bylo to dáno charakterem knihy?

F S            Norský spisovatel Jostein Gaarder napsal best-seller Sofiin svět – dějiny filozofie pro dospívající děti –, ke kterému jsem dělal obálku. Žabí zámek je surreálný příběh s dokonalou znalostí dětské duše. Hodila se k tomu kombinovaná technika s kolážemi. V té době jsem se intenzivně zabýval krásou podzimních listů, která se promítla jak do mé volné tvorby, tak do této knihy. Na obálce je naskenovaná pravá žabí kůže a uvnitř zase palačinky, o kterých se tam mluví.

Z F            U tvé ilustrační práce je zřejmé, že knihy čteš a také tomu podřizuješ charakter ilustrací.

F S            Ano, například k Pidilidem od Mary Nortonové, knize, která se odehrává v Anglii viktoriánské doby, jsem se učil šrafovat perem v černobílých ilustracích, abych se přiblížil dobovým technikám. Je to jako u zodpovědných herců, kteří se připravují na roli.

Z F            Tato otázka asi měla být na začátku, ale věřím, že má své místo také ke konci. Využíváš ve své ilustrační práci řadu výtvarných technik. Jaké to jsou? A které dáváš přednost?

F S            Volím techniku podle témat a charakteru ilustrací. Nejběžnější je patrně akvarel v kombinaci s pastelkami. Někdy je to totálně kombinované jako u Pohádek z bramborových řádků, kde je úplně všechno – akvarel, olej, tužka, pastelka i koláž. U Hradu Svícen je to akvarel, uhel a olej. Nebo jen uhel lehce lavírovaný jako například u Královských pohádek. Černobílé ilustrace zase skýtají tyto možnosti: pero a tuš, tužka, lavírka. Nebo třeba frotáže, které jsem použil v Děvčátku Momo. Originální technika scurografie, kde se negativ kreslí tužkou na pauzák a fotograficky vyvolá, se zase hodila ke knize Bratři Lví srdce.

Z F            Nezmínil jsem tvé deníky, které zčásti vyšly i knižně. Jsou to vlastně stále přítomné ilustrace tvého života. Vznikají i nadále?

F S            Deníky, kterých je v současnosti minimálně devadesát, jsem začal psát v devadesátých letech, počínaje tím benátským na Biennale v roce 1993 (Venezia 1993). Úplně první je ale z roku 1992, kdy jsme našli s Michalem Cihlářem na Expu v Seville na ulici sešit, který jsme si rozpůlili. On si v té době neustále něco zapisoval, a aby mi tím nelezl na nervy, začal jsem to dělat taky.
Ty cestovní jsou samozřejmě výtvarně atraktivnější, plné nasbíraných materiálů a zážitků. Ty každodenní jsou zase praktické, neboť v současnosti člověk na konci týdne vůbec neví, co že to dělal, natož aby to věděl za deset let.
No a promítá se tam i to, na čem právě pracuju. Nadšení i zklamání. A když mě někdo rozzuří, pěkně to schytá. Nejvíc mě ale baví, jak se v průběhu cca měsíce pozvolna zdobí a patinuje obálka těchto malých knížeček.
Dalšími ilustracemi mého života jsou fotky z mého oblíbeného malého Lumixu. Snažím se jich ale nedělat moc.

Z F            Výstava začíná tvými ranými obrazy, téměř na hranici dětství, a končí ukázkou ze současné tvorby. Zveřejnil jsi někdy před tím tyhle tvé začátky?

F S            Většina autorů to nedělá, aby se tzv. „neodkopali“. Já to mám ale naopak nejradši, vidět ty okrajové, nebo tzv. „pyžamové“ kresby mistrů. Ne ta díla, kdy už pouze reprodukují svoji značku, kterou rozpozná i buran. Udělal jsem samozřejmě výběr toho snesitelného. Pod heslem „mistr hledá sám sebe“ jsem se potřeboval vypořádat s různými styly. Tyto práce byly vystavovány v sedmdesátých letech na bytových výstavách u nás v zadním pokoji a existují k nim ručně vytvořené samizdatové katalogy. Musím říct, že mi teprve, když to vidím pohromadě, docházejí ty souvislosti.
No a současná tvorba je moje vášeň stará tři roky. Obrazy malované většinou přírodními pigmenty, které jsem si nasbíral v krajině. Bude zajímavé vidět rozdílný přístup s Janem Jedličkou v Městské knihovně, který se tomu intenzívně věnuje od sedmdesátých let.

Cesta k etickému kodexu nekončí

První číslo Qartalu přineslo v rubrice Téma Q rozsáhlý text Marka Pokorného Dlouhá cesta k etickému kodexu s podtitulem Berou česká muzea a galerie svou společenskou odpovědnost vážně?. Nyní přinášíme tři reakce na text. Kurátor Michal Novotný z Národní galerie Praha a Leoš Válka, ředitel Centra současného umění DOX, se vyjadřují z pozice institucí, o nichž se Pokorný v původním textu zmiňuje. František Zachoval, kurátor a ředitel GMU v Hradci Králové, pak jako reakci formuluje konkrétní návrhy stran budoucího profesního etického kodexu, především co se týče vztahů veřejných institucí a privátních aktérů ve výtvarném umění.

Mikoláš Aleš, Zmožený truňkem, 1981
Mikoláš Aleš, Zmožený truňkem, 1981
Mikoláš Aleš, Zabijačka, 1891
Mikoláš Aleš, Zabijačka, 1891
Mikoláš Aleš, Hlídač hlávek, 1981
Mikoláš Aleš, Hlídač hlávek, 1981

Malá galerie a velký národ
Michal Novotný
ředitel Sbírky moderního a současného umění Národní galerie Praha

V knize Malý český člověk a skvělý český národ ukazuje sociální antropolog Ladislav Holý, jak idealizovaný humanismus představitelů české státnosti ve skutečnosti vytváří funkční spojení s intolerancí, hrubostí, sobeckostí a jinými všeobecně akceptovanými drobnými nečestnostmi české každodennosti. Od roku 1996, kdy kniha poprvé vyšla, se nepochybně mnohé změnilo. I tak pro mne zůstává určitým typickým rysem české společnosti jakési přeskakování mezi arogantním poplácáváním se po ramenou a pasivní agresivitou sebepodceňování. Tento rys se projevuje i ve vnímání a fungování Národní galerie.

Už titul Národní s sebou nese celou řadu neujasněných, ale skoro vždy idealizovaných projekcí malého národa. Mezi veřejností, politickou reprezentací a někdy i ve vztahu Národní galerie k sobě samé tak panuje velmi nerealistická představa o tom, čím NGP je a zároveň – čím už dávno měla být. Na jednu stranu je typicky kladena meta Tate, Centre Pompidou atp. s obvyklým „chceme na Západ”, na druhou je i z úst alespoň několika posledních ministrů kultury veřejně slyšet vyjádření o tom, jak Národní galerie „nefunguje”. Tradičně se poté kladou naděje do všemocného ředitele, který jako jediný může situaci zachránit.
Realita je spíše taková, že Národní galerie se nachází maximálně v limitech svých možností.
Je organizací s 250 zaměstnanci, z nich většina, se kterými jsem se setkal, v ní pracuje proto, že v ní určitým způsobem věří; organizací, která spravuje sedm budov se státním příspěvkem, jenž se minimálně dvacet let nezměnil a kdy je schopna si každý (nepandemický) rok vydělat čtyřicet procent celkového rozpočtu sama. Tyto výchozí údaje se za poslední tři roky a čtyři ředitele, které pamatuji, nezměnily. Přesto byla mediálně i politicky neviditelná šedá masa zaměstnanců Národní galerie (přičemž naprostá většina pobírá dvoutřetinový plat prodavaček v supermarketu) schopna díky své víře realizovat jak – v kontextu republiky produkčně a finančně nesrovnatelně – ambiciózní projekty, tak desítky menších, které udržely provoz v jejích nekonečných prostorách.
Pojem Národní galerie je vnímán s tím, že by měl být ve všech oblastech naprostým vrcholem. Zároveň téměř kdokoliv (a případ z výstavy stažených Medků Vladimíra Železného a postoje jeho vyjádření zcela nekriticky přetiskujících médií je v tomto ohledu symptomatický) nemá žádný problém s neotřesitelným sebevědomím Národní galerii říkat, jak by to měla ve skutečnosti dělat lépe. Opět se tedy jedná o onen rozpor mezi institucí jako uctívaným ideálem, a skutečností, ve které nikdo nemá problém si do konkrétní Národní galerie bez jakékoliv úcty a respektu kopnout. To je poté také důvodem toho, jak správně Marek Pokorný píše, že symbolický kapitál státních kulturních institucí je v Čechách tak malý, že se ani nevyplatí do nich investovat.
Jak sám Marek Pokorný v diskusi o Národní galerii v březnu minulého roku uvedl, při srovnání s úspěchy České filharmonie je zásadní právě politická podpora, kterou filharmonie měla a má.
Je samozřejmě vždy otázka, co má následovat první, zda výsledky, nebo respekt a z něj plynoucí podpora. Pokud je ale nějaká hranice, která nás od oné stále vybájené Evropy dělí, tak je to právě hranice úcty k institucím, včetně instituce umění, které je v Čechách stále většinově pojímáno jako právo zcela subjektivní.
Jsou to nepochybně instituce, které musí na vlastním obrazu pracovat. Pro mne však zůstává nejasným, jestli se právě díky společensko-politickému nastavení nepohybujeme právě u těchto národních institucí poněkud v začarovaném kruhu. Mesiášsko-diktátorské profily „ředitelských” osobností, které mají danou instituci, ale i společnost v současné době spasit, když jí za všeobecného mlčení často spíše, jak Pokorný píše, podrážejí nohy, jsou poté toho jen dalším symptomem.
Parafrázovaně by se následně dalo dodat, že Česko má vlastně lepší Národní galerii než si zaslouží. A že je obraz Národní galerie, včetně jejího sebe-vnímání, vlastně docela dobrým obrazem české společnosti samé.

Morální brokovnice Marka Pokorného
Leoš Válka
ředitel Centra současného umění DOX

V prvním čísle magazínu Qartal vyšel dlouhý článek Marka Pokorného Dlouhá cesta k etickému kodexu. Obsáhlý text (celkem pět stran) je jakýmsi kobercovým náletem na eticky podvyživenou, smutnou krajinu kulturních institucí a jejich fungování v České republice. Dramatický slovník, silný kritický tón a celkové vyznění implikují morální svrchovanost autora (intelektuální přesah je jaksi mimochodem – snad žertovně – zřejmý z jednotlivých mezititulků, například Bázeň a chvění či Svět jako vůle a představa).

Volání po etickém kodexu, jehož neexistence nás zavádí do stavu „nejistoty a nezakotvenosti“, je završeno v závěrečné části výzvou: „… každá z velkých institucí by měla vtělit svůj postoj do jakési své ústavy nebo etického kodexu tak, aby její jednání bylo předvídatelné a konsekventní.“

Celková dikce článku vyvolává zvláštní pachuť světa řídících kulturních pracovníků a jejich touhy po jasných pravidlech, kdy „co je psáno, to je dáno“, a správné, eticky regulované chování bude automaticky následovat.

Hlavním motivem mého vyjádření k tomuto článku je krátká, přesto vydatná pasáž týkající se Centra současného umění DOX, jehož jsem ředitelem. Pro přehlednost ji zde ocituji: „Na počátku existence takového DOXu byla potřeba podpořit určité hodnoty. DOX plní dodnes dobře funkci místa, které vychovává určitý typ publika (řekněme střední třídu), dává jeho potřebám jistý směr, naplňuje určitou představu o kvalitě života. V okamžiku, kdy se ale začneme ptát, zda je všechno tak, jak to tahle soukromá instituce deklaruje, přichází velmi rozmrzelá reakce. Před několika lety DOX nedostal v prvním čtení grantového řízení žádanou vysokou částku, protože členové komise jeho projekt nedoporučili. Rozhovorů s představiteli téhle soukromé instituce o křivdě, která se jim udála, byla plná média. Běžná situace, se kterou se setkává kdekdo, ale jenom někdo má mobil na premiéra. Je to modelový případ: soukromá instituce žádá o podporu z veřejných peněz, ale je zaskočena tím, že ne všichni oceňují kvalitu její veřejné služby.“

Po zdánlivě vlídném úvodu následuje odkrytí skutečně „ohavného stavu věcí“. Cituji: „DOX […] vychovává určitý typ publika (řekněme střední třídu)…“

DOX rozhodně nikoho nevychovává a vychovávat nechce. Panu Pokornému zřejmě zůstala část historické výzbroje z let před rokem 1989. Opravdu bych rád věděl, co je myšleno střední třídou ve vztahu k návštěvníkům kulturních institucí. Socio-ekonomická kategorie dle výše příjmu? Společenský status? Prosakující marxistické hledisko?
Dále cituji: „[…] dává jeho potřebám jistý směr, naplňuje určitou představu o kvalitě života.“

Zřejmě ozvěna kultivačního, výchovného, patronizujícího pohledu na roli výstavních institucí.

Druhá část týkající se grantového řízení MHMP v roce 2017 končí připomenutím, že zamítnutí grantu je běžná situace, ale pouze DOX je zaskočen „tím,
že ne všichni oceňují kvalitu [jeho] veřejné služby.“

Co pan Pokorný neříká: Před zmiňovanými několika lety byl členem grantové komise. Té komise, která podporu pro DOX zamítla. Bohužel pro Marka Pokorného se ukázalo, že byl ve střetu zájmů. Přehledné shrnutí nabízí text Jana H. Vitvara uveřejněný na webu týdeníku Respekt 17. 3. 2017: „Marek Pokorný tento týden rezignoval na členství v komisi Rady hl. města Prahy pro udílení grantů v oblasti kultury a umění. Umělecký manažer Galerie města Ostravy PLATO tak učinil krátce poté, co vyšlo najevo, že jako předseda poroty Ceny Jindřicha Chalupeckého letos rozhodl o zásadním navýšení podpory společnosti, která tuto soutěž pořádá. Pravidla grantové komise přitom jasně říkají, že její členové nesmí být žádným způsobem spojeni s projekty, které posuzují, a jestliže se to děje, mají to komisi oznámit a zdržet se hlasování. To Pokorný neudělal.“

Dovolím si připomenout, že kromě Marka Pokorného v komisi zasedl další expert – Helena Musilová, kurátorka Musea Kampa. Komise udělila podporu jen třem institucím z oblasti výtvarného umění – 1,6 milionu Kč společnosti Czechdesign a zbytek bezmála 13milionové dotace rozdělila mezi Cenu Jindřicha Chalupeckého a Museum Kampa.

„Co je na tom ovšem zarážející,“ pokračuje ve svém textu J. H. Vitvar, „s výjimkou designérů komise rozdělila dotaci pouze mezi dvě instituce, na jejichž programu se podílejí oba její členové. Šéf poroty Chalupeckého ceny Pokorný v tom střet zájmů nevidí.
‚Svět je zkrátka složitý. Z toho nicméně neplyne, že musíme být paranoidní,‘ odpovídá.“

Marek Pokorný musel odstoupit, nicméně kvůli zjednodušení byrokratického řízení všechna rozhodnutí komise zůstala v platnosti. DOX žádnou podporu nedostal, Cena Jindřicha Chalupeckého získala významnou částku. Škoda, že v té době morálně náročného rozhodování grantové komise neměl pan Pokorný při ruce schválený etický kodex, který by mu ulehčil rozhodování. Tak snad příště.

Aktualizace etického kodexu
František Zachoval
ředitel Galerie moderního umění v Hradci Králové

Prolog

Galerie moderního umění v Hradci Králové, kterou zastupuji, je veřejná výstavní instituce. Mnoho nám podobných institucí v ČR trvale uchovává, eviduje, odborně zpracovává, vědecky zkoumá a způsobem zaručujícím rovný přístup všem občanům zpřístupňuje umělecká díla. Standardizovaná veřejně prospěšná služba také znamená, že galerie průběžně poskytuje informace o sbírkách, má přísnou správu depozitářů, na akviziční činnost dohlíží odborná komise, je pod přísným dohledem nad vývozem sbírek do zahraničí, má přesně daný režim zacházení se sbírkami, propracovaný bezpečnostní režim, ale především si drží svou odbornou kredibilitu. Být zaměstnancem galerie je současně zodpovědný závazek vůči veřejnosti, tedy budovat si a zachovávat nejvyšší stupeň objektivity. Stručně řečeno, galerie je institucí sloužící společnosti; rozvíjí její vzdělanost, čímž jí přináší užitek.

Za posledních třicet let se tento sektor výrazně restrukturalizoval a některé veřejné služby byly převedeny do soukromého a obchodního sektoru, jenž má právní podobu ve formě nadací, společností s ručením omezeným, fondů, agentur atd. Výtvarné umění se stalo pro soukromý sektor výhodným obchodním artiklem a investicí, tedy uložením financí před nepředpokládanými ekonomickými krizemi (inflace, recese, oslabení ekonomiky apod.).

Je tu i umění a jeho autoři nebo i falza, která potřebuje soukromý sektor zhodnotit, posílit jejich cenu.

Často je altruistické vystupování aktérů soukromých veřejných institucí maskováno bohulibými cíli jako péče o veřejný prostor, vzdělanost, kultivace společnosti. Ale také zde najdeme politické (mocenské) cíle a s tím související posílení sociálního statusu.

Majitelé soukromých veřejných institucí se tváří jako mecenáši, altruisté a filantropové.

Privátní sektor se prostě bez veřejných výstavních institucí neobejde. Hodnověrnost, tradice, výzkum a interpretace získaných poznatků zakládá na důvěru i pro soukromý sektor. K tomu všemu veřejná instituce systematicky investuje do vlastních zdrojů, což se u soukromého sektoru již tvrdit nedá.

Tedy: Aktualizace etického kodexu by měla vymezit vztah vůči aktivitám soukromých veřejných institucí, vůči sběratelům (aktivně obchodujícím se svou sbírkou), nadacím v oblasti umění, soukromým galeriím a společnostem s ručením omezeným v oblasti umění, akciovým společnostem v oblasti umění, investičním fondům v oblasti umění (všechny souhrnně dále v tomto textu nazývejme „soukromý aktér s uměním“), které mají kromě deklarovaného veřejného zájmu také ve svých předmětech podnikání: obchod s uměním, ale i další aktivity, někdy až kuriózní. Je jisté, že v mnoha případech vztah a spolupráce soukromého a veřejného je ku prospěchu věci. V žádném případě není možné jednotlivé sporné momenty generalizovat na celé prostředí. Nesčetné množství soukromých galerií, nadací a sběratelů nezištně pomáhá umělcům, což oceňuji a podporuji.

Aktualizace – soukromý aktér s uměním Aktualizace by měla poukazovat věcným způsobem na několik palčivých problémů. Je zřejmé že se vždy budeme potýkat s kritérii hodnocení dílčích momentů. Aktualizace si především klade za cíl vidět danou oblast jevů reálně, tedy nedirektivně pojmenovávat neetické případy.

(a)       Obezřetně bychom se měli stavět k zápůjčkám od „soukromých aktérů s uměním“ na výstavy, neboť prezentace jejich uměleckých děl je zhodnocením, tedy zvýhodněním na trhu s uměním.

(b)        Pokud „soukromý aktér s uměním“ nabízí výstavy/exponáty, u nichž veřejné instituce nemají experty na danou problematiku, mohou se na výstavě celkem snadno objevit umělecká díla se sporným autorstvím (vědomě, ale i nevědomě).

(c)       Obezřetně se stavět ke spolupráci s osobami, které jsou v pracovněprávním vztahu, případně v majetkovém poměru se „soukromým aktérem

s uměním“ nebo jsou jeho zástupci, protože jsou ve střetu zájmu. Pokud je tedy zainteresován, honorován či jinak motivován ze strany „soukromého aktéra“, rozhodně nezastupuje zájmy veřejné, byť by i sám nabyl dojmu, že musí náhle jednat ve veřejném zájmu.

(a)         Obezřetně se stavět k službám „soukromých aktérů s uměním“, kteří nabízejí zajištění komunikace s dalšími, často neznámými a senzitivními sběrateli, kteří nabyli dojmu, že přímý dialog s veřejnou institucí ohrozí jejich anonymitu a soukromí. Veřejná instituce pak nemá plně ověřitelné informace o majiteli (potažmo původu) daného uměleckého díla. Takto zapůjčovat díla na výstavu je navýsost problematické. Pokud by se později prokázalo, že zapůjčené dílo je padělkem, stává se veřejná instituce svým liknavým přístupem a opomenutím kontroly zároveň i aktérem – tedy spolupachatelem.

(b)      Obezřetně se stavět k zápůjčkám od majitelů sbírek, kteří své sbírky mají především pro svou společenskou katarzi, neboť jejich minulá nebo i současná podnikatelská činnost je společensky problematická.

(c)       Obezřetně se stavět ke kurátorům a historikům umění, samozvaným kurátorům, kteří jsou paralelně analytici, investoři, soukromí galeristé, finanční partneři soukromých sbírek nebo podílníci soukromých galerií, investičních fondů a podobných tržních investičních aktivit. Jejich odborné nebo kurátorské aktivity zase mohou být ve střetu zájmu a v prostoru veřejných institucí nepůsobí transparentně a důvěryhodně.

Epilog

Institucionální kritika, samoregulační tendence, definování veřejné a soukromé sféry se v kontextu veřejných výstavních galerií rozvíjí v mezinárodním prostředí během posledních šedesáti let. Text je sondou do problematiky vztahů mezi veřejnými výstavními institucemi a soukromým sektorem.

Skryté mechanismy, které interakci mezi veřejnou a soukromou sférou provázejí, byly prezentovány tak, aby tyto vztahy byly transparentní širokému publiku.

Lokální sbírkotvorné instituce po roce 1989 (mimo případnou výměnu ředitelů a dalších personálních úprav) neprošly zásadní sebereflexí, bez které si dnes bohužel nemůžeme vytyčit pevnou pozici těchto veřejných institucí v 21. století. Dílčím institucionálně kritickým, uměleckým a výzkumným projektem, zkoumajícím stav veřejných sbírkotvorných institucí, byl projekt Reprezentace národa (Isabela Grosseová, Jesper Alvaer, 2008). Ten ale nevyvolal adekvátní odbornou a veřejnou diskuzi. Nevidím žádný obhajitelný argument, proč by standardizovaná veřejně prospěšná služba měla legitimizovat aktivity „soukromých aktérů s uměním“ a zvyšovat jejich utilitu.

Stereotypy spolupráce se soukromým sektorem z devadesátých let jsou stále přítomné, takže nelze předpokládat, že již zítra bude vše ideální a hlavně pro diváka transparentní. Pokud se v nejbližší době nedostaví patřičná fáze autoregulace nebo objasnění pozic zúčastněných aktérů, tak potom míříme k tomu, kdy podle Jürgena Habrmase je veřejnost nahrazována pseudoveřejnou či pseudosoukromou oblastí kulturního konzumu.

Ztratit (se) a najít

„Kultura a umění se staly bezdomoveckými, protože její stánky zůstávají zavřeny,” píše v tomto vydání Miloš Vojtěchovský. Když jsme v první polovině roku 2020 tříbili koncepci Qartalu, nenapadlo nás, že čtvrtletník věnovaný umění a dění v galerii vypustí svá první čísla do společnosti dlouhodobě nepřístupných výstavních síní. A že pandemie bude motivovat nejširší veřejnost všech generací k přehodnocování leckterých vztahů – i k tomu, co pro nás znamená umění, v čem skutečně spočívá a jak v něm pokračovat ve světle všech změn.

Tohle číslo nabízí řadu dílčích odpovědí. Na různorodé plody „outdoorového” projektu Umění pro město bylo zaděláno dlouho před první myšlenkou na karanténu: teď se můžeme rozhlížet po projektech jednajících v nenápadných lokalitách Satalic, Ládví, pražské motolské skládky. Umělci reagují na dějiny míst, jejich možnosti a estetiku, na místní komunity: to je samozřejmě během pandemie nejsložitější.

Nejde o vznik „nových soch” ve veřejném prostoru: spíš o kreativní střet s nimi ve velmi různých procesech a médiích. „Doba je, jaká je, ztratit se v čase i prostoru by chtěl snad každý,” říká Šárka Zahálková a ze své rezidence vydává i kazetového ne-průvodce. Kdo chce objevit něco nového, musí se nejdřív ztratit: a tady se k takovému ztracení nabízí audioguide. Je takové „bezpečné ztracení”, jež má vést k novým nálezům, snivou reflexí toho, co společně prožíváme?

Ztráty a nálezy odečítá a shledává i enviromentalistický přístup, jaký rámuje platformu Bio Troja: Další umělecká iniciativa pod širým nebem, tentokrát v zahradách Zámku Troja, má letos prokázat své možnosti: jak jako multifunkční centrum, tak jako myšlenka – společná platforma pro ty, kdo chtějí a potřebují vnímat umění v těsném vztahu ke klimatické krizi.

Výstava, která tvoří titulní téma předchozího prvního čísla Qartalu, má smůlu: Svědectví čínského Xiao Quana, v němž se jedinečně prolíná kronikářský dokument s uměleckou fotografií, je jednou z výstav nainstalovaných, trpělivě čekajících, nikým nespatřených po dlouhé týdny. S napětím sledujeme denní zprávy a doufáme, že živoucí, hravá a tajemná výstava ilustrátorského díla Františka Skály nebo tvůrčí dialog Jiřího Thýna se sochařským dílem Hany Wichterlové, o nichž píšeme tentokrát, už budou mít větší štěstí. A ožijí setkáním s publikem, které je samo o sobě ústředním motivem v rubrice Téma Q: Návštěvnost galerií se příliš často přepočítává kvantitativně, ale co tvoří kvalitu návštěvnosti?

Nad prací s publikem, vztahem k návštěvníkům, divákům a posluchačům se v Tématu Q zamýšlejí čtyři autoři: píší o prostředí galerijních institucí i veřejnoprávních médií. V předchozím čísle jsme uveřejnili text Marka Pokorného na téma etického kodexu. Mají naše galerie samy, bez legislativního tlaku, diskutovat o etice svého financování, o původu děl, o třecích plochách veřejného a soukromého sektoru? Bylo jasné, že tohle třaskavé téma nevyčerpá jeden text: Qartal si navíc přeje být místem pro širší, průběžně se rozvíjející diskuse. Nyní přinášíme tři reakce na Pokorného: dvě hovoří z pozic Národní galerie a Centra současného umění DOX, František Zachoval pak přináší konkrétní – a provokativně nesmlouvavý – návrh pravidel pro budoucnost. Přejeme inspirativní čtení!

Anketa. Pandemický rok

Osobnostem z umělecké a galerijní scény jsme položili otázky na přímou zkušenost s obdobím karantény, restrikcí a utlumeného veřejného života během pandemie viru covid-19, která proměnila základní rámce celé společnosti, kulturní obec nevyjímaje. Doufáme, že skrze různou zkušenost lze spatřit nejen něco z aktuální reality, ale i její první rychlá zobecnění, která naznačují, jak žít novou situaci společnosti a výtvarné scény. Všem, kteří nám zaslali svou odpověď, děkujeme.

1            Jaké změny, negativa a pozitiva přinesl rok pandemických omezení a specifik vám, potažmo výtvarné scéně obecně?

2            Co z nové zkušenosti lze použít do další tvorby a práce – a jak?

Květa Pacovská, Papírová socha černobílá, 70. léta
Květa Pacovská, Papírová socha černobílá, 70. léta
pohled do výstavy 400 ASA: Prostě dokument…, Dům fotografie, 2020. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy 400 ASA: Prostě dokument…, Dům fotografie, 2020. Foto Tomáš Souček
Anežka Hošková, Lucifer’s The Light Of The World III, 2017
Anežka Hošková, Lucifer’s The Light Of The World III, 2017
Magdalena Jetelová, Linie 2451, 2018
Magdalena Jetelová, Linie 2451, 2018
pohled do výstavy Bedřich Dlouhý: Moje gusto, Městská knihovna, 2. patro, 2019. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Bedřich Dlouhý: Moje gusto, Městská knihovna, 2. patro, 2019. Foto Tomáš Souček
Pohled do výstavy Devětsil 1920–1931, Dům U Kamenného zvonu, 2019. Foto Tomáš Souček.
pohled do výstavy Devětsil 1920–1931, Dům U Kamenného zvonu, 2019. Foto Tomáš Souček

Vladimír Kokolia
umělec

1            „Má to děj.“ Nemůžeme si stěžovat na nedostatek dramatičnosti. (Pamatuju normalizaci, tedy období úspěšného utemování všech jiných příběhů, než těch „normálních“. To byl průšvih jiného typu.) Před rokem jsem začal připravovat velkou výstavu ve Fine Arts Museum v Tchaj-peji a přišel jsem s názvem Inner Emigration. Můj tým mi to rozmlouval, to téma znělo úplně mimo. Vnitřní emigraci jsem nemyslel jako politický pojem – spíš jako skutečnost, že před obrazem jsme každý sám. Zcela nepravděpodobně se mi podařilo v červnu na Taiwan doletět, po karanténě všechno nainstalovat a sledovat, že to skutečně rezonuje. Zato právě probíhající výstavu ve Futura Gallery jsme už dělali s vědomím všech omezení. Jako malířskou a grafickou výstavu, ovšem nemožnost navštívit ji z ní dělá čistý koncept. To je ok. Katastrofické vidění světa mám od dětství, a tak jsem vlastně optimista, jelikož realita stále ještě zaostává za mými představami.

2            V době, kdy všichni přísahali na komunikaci jako na základní princip umění, jsem učil na AVU „samotu“. Teď ale nevím, možná zaznamenáme návrat některých pojmů z doby před postmodernou jako byly čestnost, odvaha…

Zbyněk Baladrán
výtvarný umělec, autor a kurátor

1 & 2            Nevím, jestli dokážu už teď nabídnout zobecnění, adekvátně popisující změny, které přinesla pandemie. Jedno je jasné, hypertrofovaly některé problémy obsažené v dosavadní společnosti. Průběh epidemie nás také připravuje na budoucí změny vyvolané proměnou klimatu v důsledku akumulace financí a nezřízeného zvětšování soukromého vlastnictví (abych to popsal v rychlé zkratce). Překvapilo mne, že stroj v širším ekonomickém pojetí je dokonale promazaný. Po počátečním jarním šoku se svět pomalu adaptuje na jiné sociální a ekonomické podmínky vyvolané restrikcemi a karanténou, továrny chrlí zboží dál a rozvoz výrobků ještě více akceleruje.
Já jako výtvarný umělec se také adaptuji, přes pochopitelný úbytek možností vystavovat pracuji ještě výkonněji v sekundárním poli práce vizuálního umění. Stíhám vytvořit více architektur výstav, napsat více textů, stíhám i více kolokvií. Díky tomu, že se nemusím nikam přesouvat, se přestávky a přerušení zkrátily na nejnutnější možnou dobu.
Volný globální trh s uměním se po počátečním šoku pomalu vzpamatovává. Čekám jen, že se objeví internetová platforma, která bude spekulovat s uměním ještě jednodušeji než kdy dříve. Pak už bude jedno, že umění má i jiné funkce, bude převažovat jediná, což je akumulace kapitálu. Ale to se života výtvarných umělců moc netýká.

Marek Pokorný
ředitel PLATO Ostrava

1            Pandemie zasáhla do našich životů na všech úrovních. Pro výtvarnou scénu přinesla především zpomalení, které sice lze považovat za pozitivum, nicméně souběžně negované sociální a ekonomickou nejistotou. PLATO zasáhla na nejcitlivějším místě: znemožnila bezprostřední sociální kontakt, který dával smysl většině našich projektů.

2            Snaha přenést standardní aktivity do on-line prostoru je podle mého slepá ulička. Máme vynucenou šanci, jak znovu promyslet vztah umění a publika a produktivně obcházet tradiční formát výstavy. Zkušenost s uzavíráním galerií může vést k nahrazení repetice „vernisáž – výstava – program – deinstalace – instalace – vernisáž“ nabídkou, která po odeznění pandemie obrátí pozornost k tomu, co od umění chceme nejen jako diváci, ale především jako lidé.

Daniel Pitín
umělec

1            Můj způsob práce, malování v ateliéru, je vlastně neustálá karanténa. Takže se pro mne v každodenním rytmu až tolik nezměnilo.
Spíš jsem si uvědomil, jak je pro mě důležité cestovat a navštěvovat výstavy, a to až teď, když to opravdu nejde. Byl jsem možná někdy až trochu přesycený kulturním světem. Jak osobně, tak ve své práci. Obecný dopad na svět umění zatím nejsem schopen dohlédnout. Ještě jsme stále pod vodou a trosky ohledáme, až opadne. Věřím, že pokud se nám podaří udržet funkční některé organizace, galerie a instituce po ekonomické stránce, do dalšího období to přinese novou energii.

2            Uvědomuji si více než předtím křehkost naší společnosti. Některé věci znovu přehodnocuji a mění se i můj pohled na svět. Nevím, jestli to umím ihned přetavit do své práce a ani se nechci stát glosátorem současných událostí. Chtěl bych se pokusit pokračovat dál s plnou energií, to je za mne asi ta nejlepší odpověď na úzkostnou atmosféru naší doby.

Kateřina Šedá
umělkyně

1            I když tento rok přinesl spoustu problémů, ve finále to vnímám jako pozitivní zkušenost. I přesto, že se většina naplánovaných projektů zastavila, posunula, nebo jsem je musela realizovat úplně jinak, než bylo v plánu, měla jsem spoustu práce. Obracela se na mě řada lidí (včetně zahraničí), abych přispěla nějakou akcí k izolaci v domovech seniorů, abych vymyslela aktivitu pro děti online, abych navrhla projekt pro izolované rodiny. Problematická doba ke mně přinesla obrovská nová témata a především mě utvrdila, že moje činnost má smysl.

2            Myslím, že se objevila spousta témat, která jsme neviděli, nebo nám nepřišla tak podstatná. Brutálně se obnažila realita trávení času starších lidí, kteří v pandemii bloumali po obchodech, aby nemuseli sami sedět doma. Ještě víc se ukázalo, jak je složité zůstat sám doma, jak málo je společných aktivit, které by uspokojily víc generací. Podle mě je potřeba, až se kultura trochu restartuje, zacílit pozornost sem. Ve školních zadáních, ročníkových cvičeních, grantech i veřejných soutěžích.
Taky vidím pozitivum v omezeném cestování. Měla jsem dlouhou dobu pocit, že se svět (nejen umělecký) zbláznil, že řada lidí přejíždí z místa na místo a hledá něco, co cestováním najít nejde. Najednou vidíme, že řadu pracovních schůzek jde vyřešit online a nemusíme za každou cenu cestovat přes půl planety. Doufám, že tento princip v rozumné míře zachováme.

František Zachoval
ředitel Galerie moderního umění v Hradci Králové

1            V Galerii moderního umění v Hradci Králové se celkem výrazně redefinovala samotná dramaturgie. I když jsme celkem flexibilní a umělci a externí kurátoři jsou vůči nám empatičtí, ve střednědobém horizontu plánujeme vždy dvě velké výstavy v galerii Prostor do roka, abychom předešli tomu, že se zavřením je téměř nikdo neuvidí. Menší projekty v Bílé a Černé kostce původně trvaly dva měsíce: Teď již víme, že tu bude třetí, čtvrtá vlna viru, takže považujeme za nehospodárné realizovat projekty riskantně krátkodobé; proto jejich trvání nyní plánujeme na tři a půl měsíce. Současně jsme od začátku října připravovali novou podobu stálých expozic, takže otvíráme s blížícím se zpřístupněním galerií po druhé vlně.

2            Před pandemií se hradecká galerie více věnovala výstavnickému provozu a nezbýval čas na samotný výzkum, na který teď klademe důraz. S tím je spojen důraz na vydávání odborných publikací.

Jiří David
umělec

1            V podstatě žádné změny, jsem stále ve své dobrovolné, osamocené klauzuře ateliéru a tam pracuji. Ale lze jistě říci, že negativem bylo několik zmařených (odložených?) výstav. Ty zahraniční bolí více.
Pokud vezmu v potaz druhotný, ekonomický pohled na provoz umění: Potencionální sběratelé a jiní zájemci jsou logicky opatrnější, zbržděnější. A jelikož odmítám hrát „čistou“ politiku grantů, tak je to přeci jen složitější. Ne že bych předtím byl ve zdejším kurzu. Jistě se to však obecně týká i mnohých jiných. Pozitiva? Nikomu nepřeji nic zlého, ale pokud mají – díky nastávající ekonomické krizi – zmizet ze scény ti, co co jsou na ni přisátí jen grantově a navíc vždy ostentativně či ideologicky pohrdali všemi, co šli jinou cestou, tak těch mi líto nebude.

2            Mou stěžejní práci, tedy obrazy, nelze zjednodušeně přenášet na sítě. Je – naštěstí – závislá na lidském kontaktu, přímém vidění. Takže měnit nic nebudu, neboť nemohu.

Vendula Chalánková
umělkyně

1 & 2            Tento rok jsem měla domluveno ilustrování čtyř knih. Zdálo by se, že to byl plán pro pandemický rok jak dělaný. Většinu času jsem strávila v ateliéru, pracujíc na ilustracích. Úskalí přišla v momentě, kdy došlo lepidlo a barevný papír. Toto úskalí jsem překonávala v první vlně u kamarádů, kteří mají ateliéry v bývalé továrně Zetor, kde zbylo hodně kancelářských papírů, a v druhé vlně u odběrového okénka mého oblíbeného papírnictví. Vydání jedné knihy se posunulo o půl roku, další na příští rok.
Velice jsem ocenila, že mám ateliér ve společenství lidí, kde jsem nepociťovala izolaci, strach ani omezení. Několik výstav se podařilo během uvolnění realizovat, jiné se posouvají. Byla založena Česká akademie vizuálního umění. V Brně vznikla díky Martinu Reinerovi Městská galerie, která je na zdech domů, a je tak přístupná stále. A výstava v českém centru v New Yorku je mojí nejdelší, protože se postupně prodlužuje na celý rok. Jinak jsem se půl roku neviděla s rodinou, nikam jsem necestovala, kamarádka se nemohla v nemocnici rozloučit s umírající maminkou a Food Not Bombs hlásí, že fronty na jídlo pro lidi bez domova každý víkend rostou.

Michal Škoda
umělec a šéfkurátor Domu umění České Budějovice

1            Dostatek času a klidu na tvorbu.
2            Až čas ukáže, zda a jak se toto období zpětně otiskne do tvorby.

pohled do výstavy Rudolf Sikora a Vladimír Havlík: Sníh kámen hvězda strom, Colloredo-Mansfeldský palác, 2020. Foto Tomáš Souček

Michal Novotný
ředitel Sbírky moderního a současného umění Národní galerie Praha

1 & 2            Posledních devět let můj pracovní rytmus postupně více a více akceleroval. Přijde mi, že tomu bylo stejně s celým uměleckým světem. Přestože na strukturální změny asi dvě karantény nestačí, na individuální úrovni někdy stačí jen podívat se na svůj život z odstupu. Měsíc na to, nechat tělo a mysl vypadnout a vychladnout z rytmu stresu, který samo zvykem požaduje a na jehož stimulaci jsme si všichni zvykli, je tak potřebné minimum.
Bylo by skvělé, kdyby si společnost, kde je tolik práce založené jen na komunikaci, jejíž přeceňovaný osobní rozměr zabírá tolik času a cestování, zvykla konečně na řešení mnoha věcí formou distanční. Je zajímavé, že různé kreativní způsoby převádění výstav do virtuálního formátu, které přišly na svět již skoro před deseti lety s rozšířením webu, se nyní vrací a snad by se mohly i konečně etablovat. Doufám, že se budeme setkávat s méně špatnými kvazi-3D dokumentacemi výstav a zbytečně načasovanými streamy a bude více obsahu připraveného s maximálním využitím kvalit a předností online formátu a jeho časové i prostorové dostupnosti. Je zajímavé, že virus do velké míry paralyzoval to, na čem ekonomika severní polokoule v posledních letech stála, a to autentický zážitek. Snad si více uvědomíme hodnotu autenticity, se kterou jsme v posledních letech tolik plýtvali, a která se v jejím masivním převodu do virtuálního zároveň stala možná nejdůležitější měnou současnosti, měnou sociálních sítí. Doufám tak, že si lépe uvědomíme, na které formáty web zcela stačí a na které je nutno vyčlenit osobní čas a prostor.

Pavla Sceranková
sochařka

1            Během roku pandemických omezení se mi narodilo druhé dítě. Silně jsem si uvědomila jak důležitá a silná buňka je rodina, blízká i ta vzdálenější. Díky ní se omezení a stres odehrával jakoby v druhém plánu. Velkou oporou byla taky stabilní práce na AVU a kolektiv našich studentek a studentů.
První vlna měla charakter zpomalení. Druhá vlna přenesla veškerou činnost do distančního modu, který podporuje obecný zlozvyk přeplánovavat veškerý čas tak, že není možné stihnout ani třetinu naplánovaného.

2            Virus nás naučil, že lze zastavit vše kromě péče. Krom toho nám ukázal, že to co se v krizi počítá, jsou kvality, které se v dravém životě globálního kapitalismu zdály být zbytečné; solidarita, obětavost, vynalézavost, skromnost a ruční práce. Jako jeden z aspektů krize vyvstal problém s její lokalizací. Problém přesně určit, kde je chyba a kdo je viník. Virus nám taky ukázal, které role umění fungují jenom za podmínek, když “stroj běží hladce”, a jak moc je na jeho běhu vlastně umělecký svět závislý. Některé z reakcí na pandemii však taky odhalily, že ještě není pozdě se stroji postavit. Použít proti němu jeho vlastní nástroje – aktualizace. Použít stroj jinak. Umění může pomoci vynalézat nové cesty užívání, nebo ty vynalezené posouvat dál mezi lidi. Výzvou kterou nám současná situace odkryla, je: vytvářet symboly a znaky, které pomůžou koncentrovat energii a pozornost tam, kde je potřeba.

Richard Drury
vedoucí kurátor GASK – Galerie Středočeského kraje

1            Živě si pamatuji ze studentských let na mohutnou litinovou lampu stojící na křižovatce cest uprostřed travnatého prostranství Parker’s Piece v Cambridgi. Někdo na ní kdysi načmáral nápis „Reality checkpoint“, který nás, opojené či zasněné mladé kolemjdoucí, vždy nutil k zamyšlení. A podle mě není lepší označení pro rok 2020. V situaci nepřirozené vykloubenosti stojíme všichni před svým osobním „reality checkpointem“. Negativa? Ztráta pevné zvyklosti a pocit, jako bych kráčel po tekutém písku. Pozitiva? Ztráta pevné zvyklosti a pocit, jako bych kráčel po tekutém písku. Krize drsně ubližuje, přináší však i možnost přehodnocení priorit, otevírá cestu k přerodu – v mnoha ohledech odkrývá pravou podstatu věcí, ať ji chceme vidět či nikoliv. A věřím, že výtvarná scéna, jistě i výtvarný projev samotný, bude tuto skutečnost (vědomě i mimoděčně) reflektovat.

2            Letos umění napodobuje život. Stálá expozice GASK Stavy mysli / Za obrazem představuje své tradiční okruhy – samota/přátelství, naděje/skepse, sevření/volnost, zranitelnost/vzdor v nepředvídané rezonanci s pandemickým duševním neklidem společnosti. Když je však galerie na delší dobu “fyzicky” odloučena od návštěvníků, pak vyvstává otázka podobná té, jestli padající strom v liduprázdném lese vydává zvuk: existuje obraz, když se na něj nikdo nedívá? Zmíněná krize vede k zmíněnému přerodu – především v podobě prudce posílené online přítomnosti. Což obloukem paradoxně poukazuje na nenahraditelnost přímého mezilidského styku. Člověk si ve světle nové zkušenosti uvědomuje, že smysluplná komunikace je základem i nejcennějším nástrojem naší galerijní profese.

Tereza Stejskalová
kurátorka, tranzit.cz

1            Evidentní změnou je velká nejistota a nutnost organizovat kulturní program za zcela fluidních okolností, kdy není jisté vůbec nic. Tento rok také přinesl velkou prekarizaci všech, kteří v kultuře pracují. A čekají nás nejspíš chudé roky.

2            Přijdou velké škrty. Jak se na ně kulturní instituce a kulturní aktéři připraví? Myslím, že je důležité udržet si cenu své práce. Nesmířit se s tím, že budeme dělat věci zadarmo, protože nejsou peníze. Je lepší dělat skromnější program, méně akcí, ale udržet si určitou honorářovou úroveň. Vznikne pak pravdivější, realističtější obraz o tom, kolik kultura reálně stojí a kolik je nutné do ní investovat, na základě kterého se pak kulturní obci bude lépe vyjednávat i lépe přemýšlet o tom, kolik kultury a jakou potřebujeme. Otázka honorářů a platů kulturních pracovníků by se měla stát tématem číslo jedna na všech úrovních.

Denisa Kujelová
ředitelka Fait Gallery

1            Byla to pro nás všechny především nová zkušenost a příležitost zaměřit se na distanční formy zprostředkování umění a lektorských materiálů. Vznikl prostor pro publikační činnost a také čas k promyšlení výstavní strategie galerie do budoucna s nutným přehodnocením funkčnosti stávajících modelů. Negativně nejvíce vnímáme zejména přerušení fungování kulturních institucí, na které se bude obtížně navazovat a které bohužel již nyní vede k existenčním problémům mnoha subjektů, umělců a profesí souvisejících s kulturním provozem. Pozitiva? Jistě čas pro sebereflexi. A také si uvědomujeme důležité lidské a společenské hodnoty, které k umění patří.

2            Na základě této situace jsme zhodnotili naši dosavadní výstavní praxi, upravili náročnost budoucích výstavních projektů a s ohledem na udržitelnost jsme zpracovali plán, jak se při realizaci výstav a doprovodného programu chovat ještě více zodpovědně včetně sítě subjektů pro další sdílení použitého materiálu. Nutnost fungovat výhradně v online prostředí nás upozornila i na nezbytnost hledání forem zprostředkování i bez možnosti osobního kontaktu.

Marie Foltýnová
kurátorka a vedoucí správy veřejné plastiky GHMP, garantka Programu Umění pro město

1            Rok 2020 měl být pro současné umění ve veřejném prostoru Prahy přelomový. Konečně začal fungovat program Umění pro město, kterým chce magistrát podporovat vznik nových uměleckých děl na území metropole. Kromě toho se rozjel i program pro dočasné umělecké intervence a projekty UM2020, organizovaný Galerií hlavního města Prahy. Pandemie změnila nebo jinak ovlivnila hlavně ty projekty, jejichž součástí byly doprovodné akce a přímá práce s publikem, návštěvníkem výstav a akcí.
Pro výtvarnou scénu obecně je to rok těžký, program UM2020 pomáhal alespoň těm umělcům a tvůrcům, kteří se přihlásili do našich výzev a jejichž umělecké výzkumy byly v letošním roce vybrané v části projektu CirculUM.

2            Moje práce obnáší také péči o svěřenou veřejnou plastiku, restaurátorské práce v terénu probíhaly bez zásadních omezení. Zde se spíš obávám následků pandemie v podobě očekávané finanční krize a škrtů v rozpočtech v příštích letech. Rozpracované projekty z UM2020 posuneme do dalšího roku, byla by škoda, aby se s úžasnými výsledky půlročního úsilí umělecko-vědeckého výzkumu nemohla seznámit veřejnost. Mám radost, že jedním z nečekaných výstupů budou originální knížky, které připravují Ida Chuchlíková a Martin Zet. Michal Kindernay vysílá svá meteorologická pozorování na SlowTV. Natáčíme devítidílný seriál reportáží CirculUM 2020. Vladivojna LaChia chystá autorskou nahrávku na vinyl z neskutečněných představení k výstavě Light Underground. To by vlastně nevzniklo bez pandemie.

pohled do výstavy Jan Kovářík: Colorbond, Zámek Troja, 2020. Foto Studio Flusser

Šárka Zahálková
umělkyně, programová ředitelka Galerie města Pardubic Gampa

1            Pandemie a omezení zvýraznily již existující společenské nerovnosti a nejistoty v (živo)bytí umělcem. Na druhou stranu ale ukázaly, že velká část uměleckého světa dokáže na nenadálé změny pružně a adaptabilně reagovat. V odborných kruzích se tomu říká resilience a je to bezesporu schopnost, kterou je třeba pro budoucnost kultivovat. V osobní rovině mi pandemie potvrdila, že umění je nedílnou součástí mého života a bez něj jsem jak ryba bez vody. Hrozně mi chybí živé koncerty, performance, výstavy a setkávání na uměleckém poli. Virtuálně to prostě není ono.
Jinak jsem si každopádně vědoma, jakého benefitu se mi dostává – mám stálou práci v galerii, studuji doktorát na AVU a například v rámci programu CirkulUM Galerie hl. m. Prahy mohu svobodně realizovat svůj umělecký projekt pro Satalice. Recipročně se snažím podporovat výtvarné i živé umění tak, jak je mi to vlastní: např. angažováním se v aktivitách Spolku Skutek nebo pardubickém spolku Offcity. Je to občas vyčerpávájící, ale má to smysl.

2            Ve své umělecké i kurátorské praxi jsem zvyklá pracovat s narativy a poměrně promyšlenými strukturami, které jsou rozložené v čase (měsíce a roky). Někdy se jejich provázanost a smysl veřejnosti vyjeví až ex post – z odstupu. Letošní situace mě učí přemýšlet jinak. Ač vždy beru v potaz náhodu a neočekávanost, možné pandemické a post-pandemické budoucnosti vyžadují jinou práci s časem, zpomalení, jiné formy koncentrace a práce s informacemi. Snažím se to vše vnímat a hledám cesty k jiným perspektivám.

Lenka Klodová
výtvarnice, performerka, pedagožka

1            První jarní období bylo u mě spíše ve znamení naděje na koncentrovanější práci. Ženská větev mojí rodiny mi dovolila udělat si odlitky jejich torz. Takže jsem část nečekaného volného času věnovala jejich formování, odlívání a broušení. Koronačas jsem tedy nestrávila sama, ale odlévající, hladící a brousící záda, břicha a prsa své mámy a své dcery. Ale na to, abych se opravdu zklidnila a zpomalila, není žádného času dost a navíc tento byl s velkou pachutí obav, nervozity a stresu z toho, jak to politici (ne)zvládají. Jako pozitivní vnímám výzvu, která vyšla z Ministerstva kultury a směřovala k podpoře online prezentací. Umožnila mi začít práci na webových stránkách FNAF – Festivalu nahých forem, což znamená značnou archivní práci.
Ad moje pedagogická činnost na FaVU v Brně: Nyní jsme se naučili pracovat s virtuálními platformami a ty nám vnutily své užitečné nástroje. Mám obavu, že jsem se pod jejich vlivem stala poněkud schematičtější v přístupu ke studentům. V chatovacích platformách je vše vidět, každá přítomnost, aktivita, pasivita, ale jaksi mechanicky, bez živých nuancí.

2            Potvrdila se mi nutnost určité nezávislosti a flexibility. Hlavně v momentech, kdy organizuji něco pro ostatní, festival nebo školu, učím se nepočítat s ničím napevno a nebýt překvapená změnou nebo ztrátou. Je to vlastně docela fajn odlehčení. Polovina věcí nefunguje, takže člověk musí najít nějaké vlastní cesty, krok za krokem a nesmí se divit, když ostatní lidi něco neudělají, když něco nezafunguje, protože ostatní jsou také pod nevypočitatelným vlivem.

Jiří Surůvka
výtvarný umělec a pedagog

1            Rok 2020 začal, jako těch několik let předcházejících, pro mě i ostravskou uměleckou scénu slibně – a obecně marasmicky pro vás v Praze. Nazval bych to genderové peklo, rasové problémy, které se nás příliš netýkají, LGBTQ problematika, fenomén Tschechische Kunst aus Prague, který se vždy opičil po Západní Evropě a přebíral problémy, které v xenofobní zemi bez imigrantů vyznívaly minimálně směšně. My tady na severní Moravě máme mnohem bazálnější problémy, jak uhájit holou existenci, tak nač si přidávat další? A pak to přišlo, něco jako trest boží, import virové pandemie, předzvěst apokalypsy! A můj itinerář na rok 2020 se smrsknul na cca 20 % původního. Tři pozvání do Asie na festivaly performance – passé. Další ve Švédsku transformoval do virtuálu a běží právě teď na netu. Z mých pravidelných šesti akcí v Polsku jsem se fyzicky zúčastnil dvou atd. Odpadla účast na společných výstavách, zůstaly jen dvě samostatné: výstava v létě ve Slovinsku a teď končí má výstava na Slovensku. Pozitivní je, že mám asi nejvíc prodejů za posledních několik let. Asi bude inflace… Když to shrnu, pandemie se zatím projevila ve výtvarném umění pozitivně tím, že částečně utlumila kádrovací kampaně a nastolila existenciálnější situaci a jistou katharzi!

2            Vykašlat se na žabomyší války a dělat něco pořádného. Jako by šlo o život. Možná, že jde o životy nás všech! O jejich smysl.

Karina Kottová
ředitelka Společnosti Jindřicha Chalupeckého

1            Poprvé v životě jsem nainstalovala velkou výstavu, o které jsem se záhy dověděla, že ji nemůžeme otevřít pro veřejnost. Byl to zvláštní pocit, když po celoroční práci nepřijde moment sdílení, úlevy, vernisážového vína. S kolegyněmi a kolegy ze Společnosti Jindřicha Chalupeckého jsme několik měsíců intenzivně pracovali na výstavě do New Yorku, která byla v prvním lockdownu odložena a v druhém jsme se dozvěděli, že hostující organizace nepřežila krizi a zavírá. Na druhé straně jsem měla téměř dětinskou radost z projektů, které se nám navzdory všem okolnostem podařilo uspořádat a především také z času stráveného s rodinou, v přírodě, v jiném tempu než je mé běžné pracovně-společenské nastavení. Neměla jsem bohužel o moc méně práce, někdy naopak i víc vzhledem k neustálým změnám, přesouvání a vymýšlení scénářů A–Z. Určitě jsme se ale spolu s kolegy hodně věcí přinaučili v oblasti práce online, natáčení filmů, streamování apod. Zjistili jsme, že uspořádat akci ve virtuálním prostoru je mnohdy dvakrát dražší a časově nesmírně náročnější, než fyzicky za účasti diváků, ale na druhé straně třeba naši konferenci sledovali lidé, kteří by na ni nejspíš do ČR nepřijeli. A určitě nám letos také významně klesla uhlíková stopa.

2            Naučili jsme se, že řadu věcí opravdu lze vyřešit na dálku a necestovat kvůli nim přes polovinu Prahy nebo polovinu světa. To je důležité v rámci klimatické odpovědnosti i šetření vlastního času. Každá mince má ale dvě strany. Poznali jsme také limity, únavnost a plochost virtuálního světa, nenahraditelnost některých společných zážitků a fyzických prostorů. Možná si jich budeme do budoucna více vážit a dál přemýšlet, jak s nimi nakládat v době, která přináší stále více nejistot. Obecně si myslím, že umělkyně a umělci, kurátorky a kurátoři a další aktéři na výtvarné scéně hodně přemýšlejí nad tím, jak posouvat vlastní praxi, aby v dnešní době ještě dávala smysl, jak se vyrovnat s finanční nejistotou, absencí mnoha dosavadních zavedených struktur. Snad krize v tomto ohledu povede i ke hledání nových forem spolupráce a vzájemné podpory. Je také zajímavé, jak současná situace poukazuje na roli umění a kultury v širší společnosti. Když chybí, je najednou víc vidět, že jsou alespoň pro někoho potřebné. Ale už se pomalu také začíná ukazovat, že je to oblast, u které se dobře škrtá v rozpočtech. Uvidíme, kam nás to celé zavede.

Ondřej Chrobák
šéfkurátor Moravské galerie v Brně

1            Ze dne na den zmizelo muzeum umění jako podpůrný nástroj masového turismu. Stejně rychle se vytratila mobilita umělců, umění a kurátorů. Pozůstatky „blockbusterového“ uvažování, tedy výstavy s mumiemi a zápůjčkami z celého světa, straší v současných lockdownovaných metropolích jako pozůstatky halloweenu. V základech byl otřesen také koncept muzea umění jako místa setkávání nejrůznějších komunit. Budoucnost je krajně nejistá téměř ve všech směrech. Co jsou pozitiva a negativa, není ještě úplně zřejmé.

2            Zkušenost globální pandemie je nová možná stejně, jako v minulém století byl nový „zážitek“ globálních válečných konfliktu (také ve dvou vlnách), holocaustu a atomové bomby. Budeme to zřejmě vstřebávat a zpracovávat hodně dlouho.

Anna Hulačová
umělkyně

1            Tento rok vnímám jako extrémně náročný. Mám druhé dítě, roční holčičku, a s rekonstrukcí domu se toho sešlo moc. Negativa pandemie vnímám spíše v nemožnosti osobního kontaktu, jako například oslovit někoho s hlídáním dětí atd. Obecně v tomto směru sociální systém selhal, protože veškerá péče o děti a slabší s jistou samozřejmostí spadla převážně na ženy matky. A péče jako práce stále zůstává podhodnocená a samozřejmá. Každopádně pozitivum vnímám v odsouvání plánů, výstav atd. Takže ten čas navíc a vytržení z hektického světa mi vlastně pomohlo.

2            Samotné téma pandemie mě úplně neoslovuje. Ale problém nepřipravenosti na jakoukoli krizi obecně je zásadní. Tedy když se dá nyní pozorovat, jak je náročné čelit teto krizi, co potom krize klimatická? Téma ekokolapsu mne nenechává dlouhodobě v klidu. Vnímám jako podstatné nečerpat jen z témat do tvorby, ale i žít s problémy a předcházet jim kdekoli to jde. A co se týče zkušenosti z letošního roku, je asi jako z let předešlých. Myslím, že vztah ke krajině, vodě, lidem a vůbec ekofeminismus by měly více nabývat na významu.

Adéla Babanová
videoumělkyně

1            Mě se ta omezení příliš nedotkla v tom smyslu, že by mi byla znemožněna právě se uskutečňující příprava nebo natáčení filmu. Přišla jsem sice na jaře o pracovní nabídku, ale nic dramatického se nekonalo. Jarní karanténu jsem vnímala jako nucený, ale trochu i vítaný obrat o 180 stupňů směrem dovnitř a začala jsem se zajímat i o jiná životní témata.

Druhou vlnu pandemie prožívám daleko silněji, mám existenciální obavy a špatně nesu sociální izolaci, vadilo mi více než na jaře i zavření škol a kulturních institucí. A také už mám silnou potřebu odcestovat někam za výstavami. Představa, že to ještě dlouho nebude možné, je trochu děsivá. Umělecký provoz se musel za velmi krátkou dobu radikálně přizpůsobit novým podmínkám a obdivuju všechny, kteří se i přesto snaží naplňovat svoje projekty a zprostředkovávat je on-line. Osobně se na ně ale neumím příliš soustředit.

2            Odrušení všech vnějších vlivů a témata, která jsem dlouho odsouvala do pozadí, protože na ně předtím nebylo dost prostoru, to všechno se teď nějak promítá i do velmi rané fáze nového videoprojektu. Netroufám si ale říct, jestli bych uvažovala jinak, kdyby bylo všechno jako dřív.

Jiří Zemánek
historik umění, spolek PILGRIM – Potulná univerzita přírody

1 & 2            Pokusím se odpovědět na obě otázky souhrnně. Osobně se mě tzv. „pandemie coronaviru“ výrazněji nedotkla, ani co se týče případného onemocnění, ani pokud jde o osobní izolaci; jsem zvyklý žít stranou, na okraji a nemám velkou potřebu mobility. Žiju na venkově, uprostřed přírody a jsem v důchodě. My na Šumavě jsme to nijak zvlášť, co se týče ohrožení, neprožívali. Nepříznivé bylo samozřejmě omezení osobního kontaktu s přáteli, kteří k nám do Kváskovic jezdí. Na druhou stranu, první vlna pandemie měla bezprostředně pozitivní vliv na moji práci v tom, že lidé byli po jarním lockdownu hladoví po kontaktech, což se projevilo i ve velkém zájmu o seminář „Vše kolem mne jako já žije, cítí…“, který jsem v rámci PILGRIMu připravil na srpen do Rychlebských hor.
Samozřejmě jsem sledoval tu bouřlivou mediální smršť, to podivné panoptikum anonymních tváří za rouškami, ty statistiky narůstajících úmrtí a neustálé varovné zprávy, jak se vše zhoršuje a jak to bude ještě horší, a byl také svědkem některých osobních náročných příběhů. Celá tato hodně ambivalentní situace s covidem mě jako nový cvivilizační fenomén přirozeně hodně zneklidnila, protože nám mnoha signály naznačuje, že to s naší civilizací není v pořádku a že nejspíš stojíme před její zásadní změnou. Odhalila nám mnohé limity našeho současného způsobu života, především co se týče našeho problematického vztahu k přírodnímu světu, který jsme si zvykli využívat a exploatovat bez jakýchkoli zábran a omezení. Dodnes žijeme způsobem, že nám na Zemi všechno patří – bez jakékoli odpovědnosti a bez jakýchkoli závazků vůči ostatním živým tvorům našeho pozemského společenství. Vzali jsme jim jejich životní prostor, doslova je vybíjíme a narušujeme fungování celých životních systému v planetárním měřítku.
Zdá se mi, jako by nám příroda naší současnou neblahou zkušeností s covidem začala vracet to, co jsme jí způsobili. Jeví se mi to celé jako progresivní chorobné stádium našeho autismu, do nějž jsme se v moderní době uzavřeli a který touto krizí vygradoval do nucené až bizarní izolace, do kontrolování každého našeho pohybu, do neuvěřitelných předpisů, na jakou vzdálenost se k sobě můžeme přiblížit atd.; až do karikatury je v těchto předpisech vyjádřen moderní názor, že v podstatě žijeme osamoceni v cizím nepřátelském světě, s nímž nedokážeme navázat žádný kontakt a před nímž se tudíž musíme izolovat.
Domnívám se, že jedinou cestou, jak se dostat z této pandemické a zároveň světonázorové krize, není více kontroly nad světem a snaha ho ještě víc ovládat podle předem vypočítaných algoritmů, ale naopak jedinou cestou z ní je „vykročení do světa“ a otevření se důvěrnému vztahu s ním. Potřebujeme se znovu naučit žít uvnitř tohoto světa, znovu ho v plné hloubce objevit jako našeho partnera v dialogu a znovu v něm najít svůj domov.

 

Monika Immrová. Mír mezi duchem a hmotou

Existují otázky pokládané jinak než slovy: dá se na ně odpovědět sádrou, betonem, železem. Tak vnímá sochař a malíř Jakub Lipavský tvorbu Moniky Immrové. Lipavského esej publikujeme u příležitosti retrospektivní výstavy soch, reliéfů a grafik Moniky Immrové Tříbení v prostorách Colloredo-Mansfeldského paláce.

Monika Immrová, Hlava IV, 1999
Monika Immrová, Hlava IV, 1999
Monika Immrová, Pýthie V, 2012
Monika Immrová, Pýthie V, 2012
pohled do výstavy Monika Immrová: Tříbení, Colloredo-Mansfeldský palác, 2020. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Monika Immrová: Tříbení, Colloredo-Mansfeldský palác, 2020. Foto Tomáš Souček

Jakub Lipavský je autorem instalací, soch, zemních soch, neformálních kapliček a pomníků. Studoval na pražské Akademii výtvarných umění v ateliérech Jindřicha Zeithammla a Vladimíra Skrepla. „Podobně jako otisk prstů nebo duhovka oka je umělecké dílo nositelem nezaměnitelného jedinečného pocitu,” napsal v textu, kterým doprovodil výstavu Moniky Immrové v Domě umění České Budějovice v roce 2017. Žije a pracuje v Litovli.

Motto: Nezáleží na tom, kdo mluví. Michel Foucault

Představte si muzeum plné soch, které jsou vystavené jedna vedle druhé, zcela nahodile, bez ohledu na stáří, provenienci, autora nebo téma. Nemají žádné popisky, nedozvíte se, jak se která jmenuje nebo kdo ji udělal. Zkrátka, můžete mezi nimi jen chodit a dívat se. Mohli byste třeba hádat, co je jak staré, nebo které sochy jsou od jednoho autora. Ale vás žádné takovéto hry nezajímají. Zajímá vás jenom „co?“, „jak?“ a občas taky „proč?“. Brzy zjistíte, že „co?“ nelze u sochy oddělit od „jak?“, a v posledku vás ono „co?“ vlastně nezajímá.

Taktéž si brzy všimnete, že „proč?“ se ptáte jen u věcí, které vás nijak neoslovují, které vám připadají špatné, zbytečné. U těch, které se vám líbí, které k vám intenzivně promlouvají, vás ta otázka vůbec nenapadne. Nakonec si tedy z toho obrovského bazénu nalovíte pár věcí, které jsou podle vás nejlepší, nejkrásnější, nejmocněji na vás působí, zkrátka vám různými způsoby přinášejí určitý pocit uspokojení.

Monika Immrová se nikdy nesnažila pomocí „co?“ omlouvat nedostatky „jak?“. Vždy prokazovala svojí prací, že způsob, jakým je socha udělaná, představuje klíč k jejímu smyslu. Umělec smysl sochy tvoří v přímém přenosu přímo ve hmotě. „Už to mám vymyšlené, udělám to pak“ tady neplatí (tedy můžete to pochopitelně udělat až pak, ale budete vše muset znovu vymýšlet). Všechna omáčka, nánosy názvů, výkladů, konceptů, kurátorských záměrů, kultů autorství, kunsthistorických šuplíků, absurdních představ o korelaci kvality a úspěchu, všechen tenhle balast nehrál nikdy v tvorbě Moniky Immrové žádnou roli. Monika se ve svém radikálním a jasném způsobu práce dostává až na samu mez formalismu; formalismem rozumějme stav, kdy režii tvorby převzala forma, materiál, nářadí, zkrátka když opratě už nedrží umělec, ale prostředky. Ostatně ti nejlepší umělci se většinou pohybují na různých nebezpečných rozhraních, protože jim jde o dovedení určitých principů na samu úvrať. Do míst, kde další cesta už vede dolů, do formalismu, kýče, bezbřehé svobody nahodilostí, k naprostému podlehnutí principu nebo dokonce metodě.

Monika je v nejlepším smyslu umělkyní tradiční. Ví velmi dobře, že „pokroku“ se na tomto poli nedosahuje revolucí, ale věrností sobě samé. Fakt, že je pevně zakotvená v tradici, nevede k tomu, že by její věci působily anachronicky, nebo že by opakovala, co už tu bylo. Jednoduše proto, že ona sama žije teď. Umělec, který je věrný sám sobě, je vždy současný (Jáchym Topol v jednom rozhovoru na otázku, jestli považuje román za mrtvý, odpověděl, že ne, protože zrovna jeden píše).

Gnóthi seauton, bylo vytesáno nad Delfskou věštírnou. Poznej sám sebe. Podle Zdeňka Neubauera neznamenalo výzvu k autoreflexi myšlení, k analýze vědomého já. Vědomí, jáství, vůle, světlo, duch, jazyk (logos) je jen malou částí toho sebe, které má člověk poznat a být mu věrný. A socha je dobrý způsob, jak onoho celého člověka vyjádřit. V tomto smyslu jsem přesvědčen, že výtvarné umění a sochařství obzvlášť je určitou odpovědí na kulturu v širokém smyslu toho slova. Sochařství smiřuje kulturu s přírodou (Sigmund Freud by jistě souhlasil) patrně právě svojí pevnou zakotveností ve hmotě. Díky tomu se ke slovu dostává druhý pól člověka, to nevědomé, tělesné, ženské, nelogické, archetypické. Dobrá socha je mír mezi duchem a hmotou. To, že umělec nevyjadřuje něco, ale spíš sebe, pochopila Monika velmi záhy a velmi dobře. Umělec „rozumí“ určitým jevům, které jsou mu vlastní a pomáhá svojí tvorbou ostatním „pochopit“ je také.

O Monice by se dalo říct, že nejlépe rozumí čáře. Dokáže s její pomocí budovat prostor (to jistě úzce souvisí s jejím odvěkým zájmem o architekturu), dokáže s ní delikátně členit objem. Podívejte se na sochu Postava II z roku 2008 a všimněte si jemné vodorovné linie, která ji dělí přibližně v polovině. Je to okraj trička? Není? A je to vůbec figura? Chcete to vědět? Já ne. Vidím něžnou linii, zhmotnělou čáru, a ona mi všechno řekne sama.

Znáte reliéfy legionářů na pražském Vítkově od Karla Pokorného? Viděli jste někdy, jak nepopsatelně nádherně jsou udělané? Komunisti je v padesátých letech chtěli zničit, ale Antonín Zápotocký (sic!), jsa vyučený kameník, to nedovolil, protože jsou tak božsky vysekaní! Existuje o tom anekdota: Přijde Karel Pokorný do nebe a ke svému údivu tam potká Antonína Zápotockého. Ten ho hned zdraví: „Karle, kde ses tu vzal? Ty, taková svině!“ A Pokorný na to: „No já jsem tu za ty legionáře, ale co ty?“ Zápotocký: „Vidíš to? Já taky.“

pohled do výstavy Monika Immrová: Tříbení, Colloredo-Mansfeldský palác, 2020. Foto Tomáš Souček
pohled do výstavy Monika Immrová: Tříbení, Colloredo-Mansfeldský palác, 2020. Foto Tomáš Souček

Nemyslím, že by Monika potřebovala být zachraňovaná před peklem, ale kdyby náhodou, tak v její tvorbě se najde dost momentů, které by jí tu službu prokázaly. Třeba ten okraj trička. Největším zjevením posledních let pro mě ale zůstává Moničina série reliéfů. Začaly vznikat původně jako návrhy na součást fasády jednoho soukromého domu. Měly být lité z betonu přímo do bednění spolu s barákem. K realizaci bohužel nakonec nedošlo. Pro Moniku to ale znamenalo začátek obsáhlé série reliéfů ze sádry, kartonu, betonu a později i litiny.

Že je Monika mistr čáry, to už jsme si řekli. Ale v tomto případě dostává čára ještě další rozměr. Reliéfy jsou na hony vzdálené nějakým chladným myšleným geometrickým variacím. Jsou, každý zvlášť, osobité, osobní, živoucí, jsou dokonalým smířením čáry myšlené a čáry živé. Balancují mistrovsky mezi nebezpečím bezbřehých geometrických her a neproblematickou, ale nic neříkající lyrickou modelací. Nemají nic společného s matematikou a její logikou.

Čára, úsečka, střed, úběžník tady nejsou myšlené, ale pouze a dokonale cítěné. Vytvářejí prostor. Je až neuvěřitelné, jaký požitek může člověku způsobit několik nakloněných ploch, jak intenzivní prostor v sobě a kolem sebe můžou zformovat. Pro mě jsou tu zodpovězeny určité otázky, které ale nejsou formulovány v jazyce, tudíž se na ně ani jazykem neodpovídá. Odpovídá se na ně tělem, hmotou nebo prostě sádrou, betonem, železem.

Vzpomínám si na jedno setkání s Monikou, možná úplně první: v roce 1995, při přijímacích zkouškách na AVU. Stáli jsme nad Moničinou sochou Vlkodlak, se kterou se hlásila do sochařské školy. Otázku jednoho z pedagogů sochařského ateliéru: „Co to teda vlastně je?“ považovala Monika už tehdy za nemístnou. Přece vidí, co to je, ne? Tím se obloukem vracím k muzeu na začátku textu. Stojím před Moničinou sochou, nevím, co to je a neptám se. Ne proto, že by mě nezajímaly odpovědi, ale že mě nenapadají žádné otázky. Vidím, vnímám. Toť vše.